カテゴリー: 写真集・アートブック

仕事柄、気になったフォトブックは新刊、古書に関わらずできる限り購入するようにしている。しかし、普段は雑用に追われていて、なかなか購入したフォトブックの中身をゆっくりと読む機会がない。
夏休み期間は現状維持バイアスに陥りがちに自分を律するために、日常と違った生活のペースで過ごすことを心がけている。いつもは絶対読まない分野の本を手に取ったりしている。その一環として買いだめていたフォトブックの、収録写真をじっくり観察するとともに、解説やエッセーも興味が続く限り読むようにしている。最近は円安と物価高の影響で新刊の洋書が本当に高価になってきた。フォトブックが高級品だった1990年代前半と同じような感じだ。当時は1ドル150円くらいの円安の時もあった。まさに今と同じ為替水準だ。その上で当時と比べ海外の物価は大きく上昇し、制作コストや送料が販売価格に影響を与えている。現地価格が75ドルや100ドルも珍しくない。円貨だといま新刊の洋書はアマゾンなどでも1万円越えは当たり前だ。それゆえに、最近はかなり慎重に吟味したうえで購入するようになった。

またかつては価格が割安の海外の書店/古書店や出版社から直接に購入していた。それらはクレジットカード払いの通販扱いだった。しかし、最近は海外のサイトではカードが決済されない場合が非常に多くなっている。クレジットカードの不正使用が世界的に増加している影響だと思われる。個人的にも、いまでは海外の業者にクレジットカード情報を提供するのにはかなり抵抗がある。したがって最近は多少高くても、安心できる大手の業者か、国内代理店の利用が一般的になっている。

　Alexey Brodovitch
「BALLET: 104 PHOTOGRAPHS」
　Little Steidl、2024年刊

さて2025年前半に自腹で買ったフォトブックだが、個人的に一番満足したのは2024年後半にドイツのLittle Steidlから刊行されたアレクセイ・ブロドビッチの「Ballet」の復刻版(リ・イッシュー)だった。ハ―パースバザー誌のアート・ディレクターだったブロドビッチは写真家としても活躍していた、オリジナル版は1935～1937年に35㎜カメラで、バレエのスピード感や舞台の盛り上がりを表現した1945年刊の幻のフォトブック。本書はオリジナルに忠実に、こだわりぬいて制作されている。現存する当時に近い古い印刷機のヴィンテージ 1993 ローランド 200 オフセットリトグラフ印刷機を使用して再現された印刷は素晴らしい完成度だ。出版社が再版ではなく、オリジナル版を現在の技術を駆使して再現した復刻版(リ・イッシュー)だとのたまう理由もよくわかる。ページをめくると、紙とインクの織りなす何か懐かしい匂いまでする心憎い演出がなされている。技術的な詳細は出版社の以下の公式サイト記載されているので、参考にしてほしい。復刻版の現地販売価格は190ユーロ、送料を入れると円安/ユーロ高の影響もあり4万円越えになる。
私はファッション写真を専門にしているので、ブロドビッチは神様のような存在。雑誌「Portofolio」や彼がデザインを手掛けたフォトブックはだいたいコレクションしている。しかし「Ballet」だけは、ページ自体を複写したErrata Editions(2021年刊)版しか持っていなかった。オリジナル版の市場動向は常にチェックしていたが、なにせ限定500部の古い本なので、状態と販売価格で納得のいく個体との出会いはなかった。いまでも古書市場ではオリジナル版は3000ドル(約45万円)以上する。バリュー・フォー・マネー、つまり金額に見合った価値で判断すると、私は今この復刻版で十分満足だという気持ちになっている。

Alexy Brodovitch: Ballet

　Edward Burtynsky
「Essential Elements 」
　Thames & Hudson、2016年刊

エドワード・バーティンスキー(1955-)は、カナダ出身のアーティスト。彼は、鉱山の尾鉱(びこう/廃棄物)、採石場、スクラップの山、中国の巨大工場、バングラデシュの船舶解体、世界の石油産業の企み、有毒物質の流出、塩田、水資源、森林伐採されたジャングル、死にゆくサンゴ礁など、工業化の進展とそれが自然と人間の存在に与える影響を表すシーンを世界中で撮影。手付かずの生態系から人間のニーズによって形成された人工地形までを連続体ととらえて大判写真作品で表現している。アート史的には、1960年代から1970年代に出現したEarth Art、1975年の「New Topographics : Photographs of a Man-Altered Landscape」の流れの延長線上で評価されている。彼の写真は、美しい色彩、幾何学的、抽象的な構図が大きな特徴。マグナム出身のサルガドなどとは違い、オーディエンスが写されて環境に直接に介入しないように配慮されている。見る側は過激な産業化や消費主義の結果を目撃するが、その地球的、政治的意味を静かに熟考させようとしているのだ。つまりこの問題は単純に2分法で判断できるものではなく非常に複雑であり、写真作品は単純に環境破壊を非難するのではない。作品を通してまず現状を的確に認識してその存在を認め、そこから問いかけや対話を生み出すための仕掛けにしようとしているのだ。
本書は彼の過去の一連の作品を新しい視点からセレクションして編集したもの。新刊は売り切れで古書で購入した。いまのアマゾンの相場は8,810円～。彼の今までのフォトブックは人気が高く、ほぼ完売して古書市場では高価なレアブックになっている。
本書の序文を書いているのはキュレーターのWilliam A. Ewing。 解説文の最初に、本書の趣旨を的確に言いあらわしている、イギリスの著作家で、後にアメリカ合衆国に移住したオルダス・ハクスリーによる、1928年の文章を紹介している。
“近年における莫大な物質的拡大は、おそらく一時的で一過性の現象に過ぎないでしょう。私たちは資本を消費して生きているからこそ豊かであるのです。私たちが無謀に消費している石炭、石油、リン酸塩は、決して代替可能なものではありません。供給が尽きれば、人間はそれらを諦めざるを得なくなるでしょう……それは究極の災厄として感じられるでしょう。”
　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　オルダス・ハクスリー

Alexy Brodovitch: Ballet

　Jeff Wall
「Landscape and Other Pictures」
　Kuntsmuseum, Germany, 1996年刊

ジェフ・ウォール(1946－)は、演出され制作された大規模バックライト付きカラー写真で知られるカナダ人アーティスト。現代ドイツ写真の巨匠グルスキーはウォールを主要な影響を受けた作家に挙げている。ウォールの大規模写真と研究された構図は、アンドレアス・グルスキー、トーマス・シュトゥルート、トーマス・ルフ、カンディダ・ヘーファーなどデュッセルドルフ学校に影響を与えている。
90年代初頭から、デジタル技術を使用し、俳優、セット、特殊効果の組み合わせで制作された様々なネガのモンタージュを作成、それらを1枚の写真のように統合したフォトモンタージュ「シネマトグラフィック」写真に取り組む。代表作は、1993年の「突然の突風」(北斎以後)。葛飾北斎の木版画、富嶽三十六景「駿州江尻」（すんしゅうえじり） (1832年頃)を題材に、19世紀日本の風景を現代のブリティッシュコロンビア州で再現している。

本書は彼の80～90年代の風景写真を紹介。1996年5月25日から8月25日までヴォルフスブルク美術館で開催された展覧会の機会に出版されたカタログ。本で見ると何気ない都市や自然のスナップ的な風景写真なのだが、実際の展示作は大規模バックライト付きチバクロームの写真作品。表紙の「The Pine on the Corner, 1990」のサイズは、なんと165X135cmもある 。フォトブックの写真とは全く印象が違うと思われる。展覧会で大きな現物を見たかったと感じた。すでに絶版なので古書で購入。アマゾンでは13,000円程度で販売されている。

今春にオープンする予定のブリッツ・アネックス。いま膨大な冊数の写真集の整理整頓に悪戦苦闘している。ほとんどが絶版本で、棚に並べるかどうかの選択規準は、あえて単純に古書市場での評価にした。ただし、専門分野であるアート系のファッション、ポートレート写真では、独自の規準で主観的にセレクションしている。
作業を進めていくと、膨大な数の自費出版本の存在を意識せざる得なくなった。その中には、様々な種類の写真を掲載した本が混在しているのだ。膨大な冊数に直面し途方に暮れながら、気付いた点をまとめてみた。写真集の制作を考えている人、コレクションしている人は参考にしてほしい。

まずデジタル時代になって、とてつもなく印刷クオリティーが悪い写真集があることにも気づいた。アナログ時代のフィルムを、的確をスキャニングして高レベルの印刷を行うのは極めて難しいことは知られている。しかし、デジタル・カメラで撮影されたと思われる写真でも同様の状況が見られるのだ。そこには、プリンティング・ディレクターが関わっているはずなのだが、どうも的確に色味がコントロールされていないと思われないものが散見される。アナログのフィルム製版の時代にはそのような酷いものはあまり見た記憶がない。
デジタル時代は、アナログ時代よりはるかに低価格で写真集が制作できる。以前は存在しなかった劣悪なものまでが制作されたのかもしれない。印刷はオリジナル作品と比べてその良し悪しが判断されるはずだ。しかし、デジタル時代のオリジナル・プリント制作には、写真家が明確な基準を持つことが必要だ。それを持たない人が多いのではないかとも思う。それでは、印刷で目指すべき規準も存在しない。個々人の感覚的な判断によっているのではないだろうか。
逆に、どう見てもオリジナル作品よりもクオリティーが高いと感じる印刷もある。本だけでなく写真展の案内状にもみられる。これはプリンティング・ディレクターが撮影した写真家より優秀ということなのだろうか？　デジタル時代の作品クオリティーはどのように担保していくのか。大きな問題だと改めて気づかされた。

またデザインを重視した写真集も数多くみられる。これらの中心はデザイナー、もしくはデザイナー的な意識を強く持つ写真家の場合もある。抽象的な写真を、グラフィック・デザインや装丁を重視して編集制作された本のことだ。綺麗なパッケージのように、デザインのサンプルのような存在。外観やデザインがすべてで、中身の写真がそのための素材になっている。これは写真を見せるフォトブックではなく、別の目的を持った出版物になってしまう。

何度も解説しているように、写真集の中には撮影者が読者に伝えたい何らかの時代性を持つメッセージを伝えるために制作されたものがある。いわゆる、フォトブックと呼ばれるもので、海外では写真が収録されただけのフォト・イラストレイテッド・ブックと区別されている。またアート写真の一つの表現方法として認知されている。フォトブックでは、伝えたい内容を明確化し、それを写真で伝えるために、編集者、デザイナーが写真家と共に様々な試行錯誤を行う。彼らも単に編集やデザインを行うのではなく、フォトブック専門の知識、経験、ノウハウを持っていることが必要となる。編集者は、内容を的確に伝えるテキストも用意しなければならない。日本では、このようなフォトブックへの理解度が非常に低い。ベテラン写真家の中にも、写真が良いか悪いかがすべてで、編集者やデザイナーは必要ないと発言する人も少なくない。写真は伝統工芸の職人技のカテゴリーで理解されており、アート表現だと考えられていないのだ。
残念ながら、このようなフォトブックのプローチで制作された写真集は私どもの手元にはなかった。もしかしたら、的確に写真家のメッセージが伝わってこなかったのかもしれない。

否定的なことばかり書いてきたが、最後に希望が持てる事象を発見したことも記しておこう。私が可能性を感じたのは、誰か好きなアーティストがいて、その人の世界観に共感してそれを自分の視点で表現する人だ。本来は自分で社会に横たわる問題点を見つけ出し提示しなければならない。しかし、彼らは既にそれを行っているアーティストの世界観を自分なりに解釈して、自らの写真集として提示しているのだ。ただし、これは有名写真家のヴィジュアルの表層を感覚的に真似することではない。この点は重要なので勘違いしないでほしい。それでは前記の職人技を持った写真家の技術の模倣に陥ってしまう。またこれは商業写真で時に問題となるパクリではない。敬意を表するアーティストからの影響を認め、それに対するオマージュ的作品を確信犯で制作する人である。
初期のロバ―ト・フランク、ロバート・アダムス、テリ・ワイフェンバック、現代アートのベッヒャー夫妻などの世界観を意識していると感じる作品などがある。私は、このようなアプローチの創作の先に、自分独自の視点を持ったフォトブックが生まれる可能性があると期待している。特に若手や新人は、自分の尊敬できるアーティストを探し当て、詳細に研究を行い、それを真似るところから表現を開始するばよいと考える。いきなり、誰も見たことがないような独創的な表現などできるはずない。

このように様々な種類の写真を収録した、多様な形式の写真集が存在する。しかし素材はすべて写真と紙。一般の人はそれらの違いが非常にわかり難いだろう。違いを見分けるには、繰り返し述べている“見立て”の技術が必要だと考えている。別の言い方をすると、アーティストの視点を、技術や知識を持つ人が分かりやすく提示すること。最近、私は“アート・コンセプト・エンジニアリング”と呼んでいる。フォトブックに興味ある人は、ぜひ”見立て”を学んでほしい。
今後に開催する、“ファインアートフォトグラファー講座”などでもこの点は重点的に解説していく予定だ。

アート・フォト・サイトは、ほぼ毎週ごとにおすすめのフォトブックを紹介している。毎年、それを通してのネット売り上げなどをベースに、国内外のネットショップの売れ筋ランキング、ギャラリー店頭での動向などを参考にして、独自のフォトブック人気ランキングを発表している。
最近は大手通販サイト経由ではなく、独自のネットワークやフォトブック専門店のみで販売する出版社、ギャラリー、美術館、写真家も多くなっている。また発行部数が少ない人気写真家の限定フォトブックなどは、事前に予約を募り、市場に出回る前に完売する場合もある。

いまや極めて複雑化したフォトブック流通を完ぺきに網羅するランキングの集計は非常に困難といえるだろう。それぞれの専門店、オンライン・ブックショップごとの特色が反映された人気ランキングが存在するのだと考えている。

アート・フォト・サイトの”洋書ベスト10″は、大手通販サイトで購入可能な本の人気度が強めに反映されている。ランキングはできる限りの客観性を心掛けているが、あくまでもコレクションのための参考資料程度に考えてほしい。

2018年の人気1位はマイケル・ケンナの“Michael Kenna: Holga”。

ケンナは、静謐なモノクロームの風景写真で知られる英国人写真家。2018年～2019年にかけて東京都写真美術館の地下展示室で回顧展「A 45 Year Odyssey 1973-2018」を開催するなど、日本のアマチュア写真家に絶大な人気のある写真家だ。ちなみに同展のメイン・ヴィジュアルの“White Bird Flying,Paris, France,2007”は、この本のカヴァーにも採用されている。彼の代表作は、主にハッセルブラッド・カメラと三脚を利用して、長時間露光で計画的に制作される。しかし本書収録作は、すべてプラスチック製ボディのホルガ・カメラで撮影されている。安価なホルガ・カメラで手持ち撮影されたケンナの写真に、多くの人が興味を持ったことがランキングに反映されたのだろう。

2位は、ロバート・フランクの“The Lines of My Hand”だった。

本書は、1972年に発表された“The Americans”に次ぐフランク2冊目のフォトブック。いままでに3種類が刊行されている。最も有名なのが、編集者の元村和彦（1933-2014）が手掛け、杉浦康平デザインによるスリップケース入り豪華本。“私の手の詩―ロバート・フランク写真集” (1972年 邑元舎刊)として限定1000部、当時の価格7500円で刊行された。同時に写真家ラルフ・ギブソンが自身の出版社ラストラム・プレスから米国版“The Lines of My Hand”（Lustrum Press1972年刊）を出版。こちらはペーパー版でデザインや装丁が全く違っていた。1989年には、半透明のダストジャケット付ハードカヴァー仕様で、スイスのPARKETT/DER ALLTAGから“Robert Frank: The Lines of My Hand” として拡大判が再版されている。
本書は美しい本づくりに定評のあるドイツのシュタイデル社による待望の再版。フランクの協力のもと、1972年刊のLustrum Press社による米国版の最新版を目指して刊行された。残念ながら同じくシュタイデル社から再版された“The Americans”ほど人気は盛り上がらなかった。
本書は、フランクの自叙伝的、告白的なフォト本制作のアプローチを確立させたフォトブック。この点についての読者の好みが別れたのだと思われる。

3位はラルフ・ギブソンの“The Black Trilogy”。

ラルフ・ギブソン(1939-)は、シュールリアリズム的なヴィジョンを持つファインアート系写真家。1970年代に、自らの出版社から“Somnambulist（夢遊病者）”(1970年刊)、“Deja-Vu”(1973年刊）、“Days at Sea”(1974年刊)を出版。これら3部作は“Black Trilogy”と呼ばれ、パーソナル・ドキュメンタリーを優れた抽象作品にした、と高く評価されている。
本書は3冊が1冊にまとめられ、写真家・キュレーターのジル・モラによる新エッセーが収録された、幻のフォトブックの待望の再版。写真史的、資料的にも重要性が高い作品なので、比較的高価だったが正当に価値が評価されたのだろう。

2018年の、ドル円為替の年間平均TTSは1ドル/111.43円。ちなみに2017年は113.19で昨年は若干円高だった。しかし洋書販売価格への影響はほとんどなかったといえるだろう。ここ数年の傾向を振り返ると、洋書は円安傾向が続いたことによる販売価格上昇とヒット作の不在から、売上高・販売冊数の減少傾向が続いていた。人気が集中するのは、比較的低価格のいわゆるお値打ちがあるヴァリュー・フォー・マネーの定番か有名写真家の写真集という傾向が続いていた。
またフォトブックは、アート写真コレクションでは低価格帯作品に分類される。その主要な購入者である中間層の実質所得の伸び悩みも市場に影響を与えていると考えている。
つまり最近は、流行的要素やフィーリングで興味を持つ人が減少し、趣味としてアート系写真集を長年にわたりコレクションしたり、良い写真を撮りたいアマチュア写真家などの、マニアックな従来からのコアの人が購入者の中心になっていると思われる。もしかしたら今の状況がニューノーマルなのではないかと危惧している。

2018年は目立ったヒット作がなかったことから、売上高・販売冊数ともに3年連続して減少した。

 2018年フォトブック人気ランキング

1.Michael Kenna: Holga マイケル・ケンナ、Prestel 2018年
2.The Lines of My Hand　ロバート・フランク、 Steidl 2018年
3.The Black Trilogy　ラルフ・ギブソン、Univ of Texas Press 2018
4.Stephen Shore スティーブン・ショア―、 MOMA 2017年
5.Street Photographer ヴィヴィアン・マイヤー、powerHouse Books 2011年
6.It’s Beautiful Here, Isn’t It…　ルイジ・ギッリ、Aperture 2018年
7.Women ソール・ライター(和書)、スペースシャワーネットワーク　2018年
8.The Street Philosophy of Garry Winogrand ゲイリー・ウィノグランド、Univ of Texas Press 2018年
9.Centers of Gravity テリ・ワイフェンバック、onestar press 2017年
10. Nothing Personal リチャード・アヴェドン、Taschen America Llc 2017年

アート・フォト・サイトは、ほぼ毎週ごとにおすすめのフォトブックを紹介している。毎年、それを通してのネット売り上げをベースに、ギャラリー店頭での動向を参考にして、独自のフォトブック人気ランキングを発表している。
最近は大手通販サイト経由ではなく、独自のネットワークやフォトブック専門店のみで販売する出版社、ギャラリー、美術館、写真家も多くなっている。また発行部数が少ない人気写真家の限定フォトブックなどは、市場に出回る前に完売する場合もある。
いまや複雑化したフォトブック流通を完ぺきに網羅する人気ランキングの集計は非常に困難といえるだろう。それぞれの専門店、オンライン・ブックショップごとのランキングが存在する状況だと考えている。

こちらの“洋書ベスト10″も、できる限りの客観性を心掛けているが、あくまでもコレクションのための参考資料だと捉えてほしい。さて、2017年の速報データが揃ったので概要を紹介しよう。

1位は、“All about Saul Leiter ソール・ライターのすべて“だった。これは2017年4月に東京のBunkamura ザ･ミュージアムで開催され、約8万人という記録的な来場者を動員したという“ニューヨークが生んだ伝説 写真家ソール・ライター展“に際して刊行された展覧会カタログ。ソール・ライター財団全面協力により制作された、完全日本オリジナル作品集。
初期のストリートフォト、広告写真、プライベートヌード、ぺインティングなど約200点とともに、アトリエ写真、愛用品などの資料も収録。彼の、人生観、情緒的表現、浮世絵の影響を感じされる構図、色彩などを探求している。サイズはコンパクトだが、豊富な図版や情報が詰まっているわりに2,500円（税別）と非常に魅力的な価格設定だった。

2016年の1位は、荒木経惟の復活した名作フォトブック「センチメンタルな旅」だった。これで2年続けて洋書と比べて価格が為替で変化しない和書のフォトブックが1位を獲得した。

また5位には、これも2017年4月に三島のIZU PHOTO MUSEUMで開催されたテリ・ワイフェンバックの“The May Sun”展のカタログが入った。同書は、ハードカヴァーの高品位印刷による限定の大判豪華本。それにも関わらず3,500円（税別）という非常に良心的な値段設定だったことが印象的だった。すぐに完売したので、発行部数が多かったら売り上げも伸びたと思われる。

洋書は、ここ数年の急激な円安で販売価格が上昇し、売上高・販売冊数の減少傾向が続いていた。2016年は英国のEU離脱や米国大統領選挙の不透明さから為替が円高方向に戻って、ドル・円の為替で108.7929円となった。しかし、2017年の平均は112.1661円と再びドル高に戻り、洋書価格が上昇傾向になった。従って、売上高・販売冊数ともに2016年よりも減少している。

1年前の1月と比べると、売れ筋のスティーブン・ショアーの“Stephen Shore: Uncommon Places: The Complete Works”が5,042円から6,631円へ、“Morandi’s Objects, Joel Meyerowitz”が4,227円から5,805円、“Sarah Moon: Now And Then”が4,136円から5,957円へと、かなり値上がりしている。（価格は日々変動している）人気の高いヴィヴィアン・マイヤーの定番フォトブック“Street Photographer”は2011年の刊行当時は3,500円だったがいまは4,685円だ。
為替の影響以外にも、洋書の販売価格はドル高時、そして版元の在庫冊数が減少すると割引率が悪くなる傾向があるの点を付け加えておこう。販売業者が、為替差損を回避したいという心理が働くからだ。
また2017年に刊行された注目フォトブックは、当初の販売価格がかなり強気の設定だったと感じた。“Stephen Shore: Selected Works 1973-1981”が9,500円、Stephen Shoreのニューヨーク近代美術館での回顧展カタログが8,900円、アーヴィング。ペンのメトロポリタン美術館のカタログが8,200円、リチャード・アヴェドンの“Nothing Personal”が8,400円、ウィリアム・エグルストンの“Election Eve”が10,100円、リー・フリードランダーの“The American Monument” が18,000円と、かなり高価なのだ。アート写真の表現の一部と考えると安いのだが、コレクターではないと気軽に何冊も購入とはいかないだろう。
しかし、その中でマイケル・デウイックの“The End: Montauk”と、リー・フリードランダーの“The American Monument” （ランク外）は高価な割に売れていた。この2冊はともに伝説のフォトブックの再版。初版は、古書市場で高価なことを知っているコレクターが入手したのであろう。

2017年を振り返るに、高価でもアート写真コレクションとして価値があるものと、ソール・ライターやテリ・ワイフェンバックのように低価格で高品質の、お値打ち感の高い展覧会カタログが売れる傾向が顕著だったといえるだろう。中途半端な、写真家のブランド、価格、内容、装丁のフォトブックはかなり売れにくい状況になっている。
フォトブックは、アート写真分野で低価格帯に分類される。その主要な購入者は中間層だと言われている。もしかしたら、最近よく言われる、中間層の収入の伸び悩みと、貧富の差の拡大がフォトブック市場にも影響を与えているのかもしれない。

 2017年フォトブック人気ランキング

1. All about Saul Leiter ソール・ライター（和書）、青幻舎　2017年
2. Stephen Shore – Uncommon Places: The Complete Works スティーブン・ショア、Aperture 2014年
3. Wolfgang Tillmans: Concorde ウォルフガング・ティルマンズ、Walther Konig 2017年
4. Vivian Maier: Street Photographer, 2011 ヴィヴィアン・マイヤ、powerHouse Books 2011年
5. Terri Weifenbach The May Sun テリ・ワイフェンバック（和書）、IZU PHOTO MUSEUM 2017年
6. Ryan McGinley: The Kids Were Alright ライアン・マッギンレイ、Skira Rizzoli 2017年
7. Avedon’s France: Old World, New Look リチャード・アヴェドン、Harry N. Abrams 2017年
8. The End: Montauk, N.Y., Michael Dweck マイケル・デウィック、Ditch Plains Press 2016年
9. Holiday Purienne Holiday ヘンリック・プリエンヌ、Prestel 2017年
10. Hiroshi Sugimoto: Gates of Paradise 杉本博司、Skira Rizzoli 2017年

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その他の新刊では、ジョエル・マイロウィッツがイタリア人画家ジョルジョ・モランディのオブジェ類をイタリア・ボローニャのアトリエで撮影した”Morandi’s Objects”、

ジャック＝アンリ・ラルティーグのカラー作品を初めて本格的に紹介した”Lartigue: Life in Color”、

サラ・ムーンのドイツ・ハンブルグのダイヒトーアホール美術館写真館（House of photography of the Deichtorhallen）で開催された展覧会に際して刊行された”SARAH MOON　NOW AND THEN”、ピーター・リンドバークの”A Different Vision on Fashion Photography”、マイケル・デウィックの幻の写真集が未収録作を追加して復刊した”The End: Montauk, N.Y. ” (10th Anniversary Expanded Edition)が入っている。

1.  センチメンタルな旅, 荒木経惟
2. Morandi’s Objects, Joel Meyerowitz, 2016
3. Vivian Maier: Street Photographer, 2011
4. Tim Walker Pictures, 2015
5. Uncommon Places: The Complete Works, 2004
6. Lartigue: Life in Color, 2016
7. The End: Montauk, N.Y., Michael Dweck, 2016
8. Sarah Moon: Now And Then, 2016
9. Peter Lindbergh:A Different Vision on Fashion Photography, 2016
10. What We Have Seen, Robert Frank, 2016

フォトブックのアート性とは何だろうかと考えさせられたのがテリー・オニールの写真集「A-Z of the Fame」だ。

英国の出版社「MACK」のディレクター・マイケル・マックが、アートフェア東京2015での川田喜久治「The Last Cosmology」新装版の発表のために来日した。フェアに先立ち、彼の出版ポリシーに関してのトークイベントが河内タカ氏とともにIMAコンセプト・ストアーで行われた。そこでは彼がどのようなポリシーでフォトブックを制作しているかが語られた。「MACK」のフォトブックは、幅広い写真家による、多様なテーマを取り扱うことで知られている。一見、一貫したポリシーが何か理解しにくい。ここでは彼の発言から、出版の本音がどこにあるのかを独自に分析してみたい。

マイケル・マックが繰り返し主張していたのは、重要なのはアーティストが制作する作品の中身だということ。できる限り多くの本を作らないようにを心がけているとも話していた。ちなみに彼が以前働いていたドイツのシュタイドル社は年間120冊以上発売しているが、「MACK」は年間24冊を目指しているとのことだ。この姿勢は、多少高くても良い本を少数制作して完売させるという高利少売を目指すスモールパブリッシャーの典型的な経営方針だろう。
彼は、写真表現はギャラリー展示には向いていないという考えでフォトブックに取り組んでいる。空間での展示と比べると、フォトブックの形式は写真のシークエンスや配置を利用してアーティストのメッセージを見せ伝える可能性が多様だ。またブック・デザインやタイプクラフィーとの組み合わせもできるだろう。彼は、本フォーマットの特性を生かしたアーティスト・ブック作りの可能性追求を心がけているのだ。