フォトブック・コレクション指南
写真家評価リスト利用のすすめ

ゼロ年代になってからフォトブックの出版数が非常に増えている。販売チャンネルも洋書店だけでなくなった。規格品なのでネット通販と相性がよく、国内外の大小様々なオンライン・ブックショップで売られている。
新刊の情報収集は、多くの人が出版社やネット書店のメール・マガジンなどで行っているだろう。しかし、いまや発信される情報量は膨大で、忙しい日々を過ごしている個人では彼らが推薦している全てをフォローするのは不可能になっている。フォトブックもまるで新譜の音楽CDと同じような状況になってしまった。

膨大なフォトブックの中から、どのように自分の求める1冊を選んでコレクションしていくか? いままで何回も取り上げてきたテーマだが、今回は少し違う視点からアドバイスを行ってみたい。
フォトブックは、本を通して提示される写真家のテーマ、コンセプト、スタイルの創造性が、フォトブック史、写真史、アート史と照らし合わせて評価されることになる。キャリアを積んだ写真家の場合、過去に評価が繰り返し行われている。その結果、すでにある程度の順列が出来上がっている。より高評価の写真家のフォトブックの方が内容が優れている可能性が高いと想像できる。

以下に、写真家の評価レベルを推しはかるための参考基準を点数化して提示してみた。最も重要なのは、その写真家がそれまでに制作した作品やフォトブックのアート市場での評価だ。情報は写真家のプロフィールをネットで検索すれば容易に入手できる。
オークションの実績もいまやネットで調べられる。リストで算出した得点が高い人、つまり作品に市場性がある人が新作フォトブックを出版した場合は内容をチェックした方がよいだろう。

フォトブック購入時の写真家評価リスト

・主要オークション会社での取引実績がある。
(クリスティーズ、ササビーズ、フィリップス)
— 5点
・主要美術館で個展、回顧展の開催実績がある。
— 5点
・主要都市の老舗アート・ギャラリーで個展開催がある。
— 4点
・過去のフォトブックにプレミアムが付いている。
— 3点
・美術館で開催された企画グループ展の参加実績がある。
— 3点
・美術館で開催された新人グループ展の参加実績がある。
— 2点
・主要都市の中堅アート・ギャラリーで個展開催がある。
— 1点

しかしこれらの基準に当てはまる写真家はかなりの数に上る。人間は様々な価値基準を持っており、自分が好きでないものを無理して買っても興味が続かない。最終的な判断は、まず自分が好きで興味を持てるテーマを持つフォトブックを選び、その中で自分に新しい視点を与えてくれるコンセプトや、デザインが斬新と感じるスタイルのものを選べばよいだろう。

上記の基準に合致するのは、だいたい写真史、アート史で評価が定まっている写真家になる。これ以外の、新人・若手のフォトブックの場合、写真家の評価が未確定なので上記のリストに該当しないことが多い。当然、全ての人は自分が価値ある仕事をしていると思っているのだが、実際に彼らが提示しているテーマとコンセプトが時代に合致しているかどうかはその人のその後のキャリア展開を見ないと判断できない。つまり初期の仕事は、その後にその人がキャリアを積み重ねた段階で評価が確定する。 キャリア展開に失敗すれば忘れ去られてしまう。それゆえ、新人・若手のフォトブックの評価では、テーマとコンセプトは評価者の個人的好みに偏りがちになり、どうしても外見のスタイル面に目がいきがちになる。つまりポートフォリオ構築の方法論、ブック・デザインの評価に重点が傾いてしまうのだ。

したがって、新人・若手のフォトブックの評価は、将来的に歴史に残る可能性がある写真家の一人であるという評価者の予想なのだ。いま世界中で数多くのフォトブックの新人賞が企画されている。写真家が作家活動を継続する動機づけを与えるためにこのような賞は重要な意味を持つ。 しかし、若い受賞者が勘違いして、方法論の繰り返しに陥るリスクもはらんでいる。
「FIRST PHOTOBOOK」などの各種新人賞は出版界の活性化のために関係者によって行われる業界振興策的な面もあるので、くれぐれも絶対的な評価と勘違いしないでほしい。

私はアート・フォト・サイトで毎週1冊の新刊フォトブックを紹介している。候補をリストアップするときは、上記の「フォトブック購入時の写真家評価リスト」を大まかな基準にしている。 膨大なフォトブックの中から自分のための1冊を見つける参考になれば幸いだ。

ストリートのポートレート写真で米国社会の現実と夢を紡ぎだすリチャード・レナルディ(Richard Renaldi)の「Touching Strangers」

ストリートで撮影される市井の人々のポートレート写真には何も仕掛けはないと誰もが思うだろう。今回取り上げる、リチャード・レナルディ(Richard Renaldi、1968-)のフォトブック「Touching
Strangers」(Aperture、2014年刊)を見た人は、8X10″の大型ビューカメラで撮影されたアメリカ各地の恋人、夫婦、友人、家族の写真だと疑うことはないだろう。しかし、撮影されているペアやグル―プの人たちは実は全くの見ず知らずの他人同士なのだ。

2007年以来、レナルディは全米の都市を旅してまわり、各地で全くの他人である二人もしくはそれ以上の人たちを選び出し、カメラの前で、友人、家族、恋人、夫婦のように親しいポーズをとり、互いに触れ合うことを依頼してきた。
彼のカメラは、他人どうしの自発的で、つかの間のはかない関係性を構築し、それはシャッターが押される瞬間だけ続く。撮影時には、時に彼らの心地よい対人距離を超えることさえあるそうだ。彼の研ぎ澄まされた感性はそんな状況から微妙な親しみやすい瞬間を見事に切り取っている。
撮影時のポイントになるのが、本書タイトルにあるように相手に触ることだろう。個人の性格にもよるのだが、ボディタッチは不安を低減させ、リラック感や安心感を生起させ、相手との心理的距離を埋める効果があるという。これはレナルディの幼少時における教会の礼拝での経験がヒントになっている。牧師は横に座る見ず知らずの人と平和のサインを握手で伝えるように求めたという。彼はその行為で親戚以上に他人と心がつながるように感じ、写真作品で同様の効果を作り出そうと考えたと語っている。

レナルディの作品は明らかに今のアメリカ社会をテーマにしている。表紙の女の子の星条旗がプリントされたT-シャツ、メジャーリーグやアメフトのロゴの入った洋服類。そして背景や撮影場所も、ストリートだけでなく、スーパーマーケット、ダイナー、美術館、マーケット、コインランドリー、クラブ、ピックアップトラック、ハーレーのバイク、地下鉄などのアメリカ的なシーンが選ばれているのだ。
またアメリカがいま抱えている様々な分断もポートレートで伝えられている。キリスト教、ユダヤ教、イスラム教などの宗教、白人、アフリカ系、アジア系、先住民系などの人種、老人と若者、富と貧困など。建前上は平等だけれども様々な不平等が存在する現実が、ポートレートとなる被写体のペアリングで見事に表現されていると思う。
そして、現実には相容れない他人同士の穏やかな表情のポートレートを通して、現状は変えられないが、彼らの心が通う合う可能性があることを示唆しているのだ。
なんでこのような奇跡的なポートレートが実現するかといえば、それはアート作品として撮影されるからだと思う。宗教、信条、人種、貧富の違いに対してアートはニュートラルなのだ。本作を、写真やアートが世界を多少は良くする可能性を持つ実例として見ることもできるだろう。

レナルディのメッセージは宗教的ともいえ、やや胡散臭いと感じる人もいるだろう。しかし現実のアメリカ社会では、「宗教」が大きな分断や格差の中で希望を見いだせない人の心の支えになっているのだ。日本人である私はどうしても日本と比較してしまう。この国でも格差は広がっているが、未来に希望が持てない人たちを支える社会的仕組みが存在しない。しかし共同体的な古き良き時代にはもはや後戻りもできないだろう。このあたりをテーマにした日本人アーティストから何らかのメッセージを見聞きしたいところだ。ヴィジュアル的には、現代アメリカの本当に多様で幅広い現実のファッションが写っている点が面白い。写真家が特にファッションを意識して被写体を選んでないのだが、多種多様な人選がそのような結果をもたらしたのだろう。リアルなストリート・ファッションをコレクションした写真集にスコット・シューマンの「The
Satorialist」がある。本書には、これよりもはるかに現実的なファッションが紹介されていると思う。
大型ビューカメラで撮影された、社会文化的な視点が明確な美しいポートレートは、時代の気分と雰囲気が反映された広義のアート系ファッション写真でもあると思う。21世紀におけるファッション・フォトの進化形と評価しても良いだろう。

フォトブックを通して世界を理解する 自分のために1冊を見つけだす方法とは

いま市場には膨大な数の写真関連本が流通している。
そのなかには、アマチュア写真家が私費で制作するZINEやリトルプレス、写真家による自費出版本からアーティストの自己表現の一部と評価できるフォトブックまでもが含まれる。様々な完成レベルの写真集の中から、優れたフォトブックを選別し、さらに自分好みの1冊を見つけるのは非常に困難な作業になっているといえるだろう。

数多ある写真集のなかで、フォトブックは本ではなく写真家のアート作品と考えられている。本自体を商品として買うのではなく、それを通して伝えられる写真家のメッセージを愛でることなのだ。私たちは、提供される本の情報を手掛かりにそれらを読み解き、さらに自分に価値があるかを判断する必要がある。
この情報の取り扱いには注意が必要だ。私たちはマスコミは社会的に有力なメディアであることから、彼らの流す情報は信用できるものだと考えてしまいがちだ。しかし、情報を提供しているメディアが、一方でフォトブックの出版社や書店でもあることがある。フォトブックを紹介・推薦している個人も、写真業界で仕事を行っている関係者でもあることも多い。決してすべてが客観的ではなく、なんらかのバイアスがかかった情報が混在していると考えるのが賢明だろう。

私たちは、自分が好きなヴィジュアルが収録されているか、ブックデザインが好みかで1冊のフォトブックに関心を持つことが多い。そこからフォトブックの背景にある写真家のアート性に注目していくことになる。しかし、たった1冊のフォトブックだけではその判断が難しいといえるだろう。アーティストならば何らかの継続的なメッセージを様々なテーマを通して発信している。 結果的に複数のフォトブックが刊行されているはずだ。そのテーマ性の展開過程をフォローすることはアーティストを判断する上で重要な役割を果たすだろう。
最近はネットで写真家のキャリアを調べることが容易になった。アマゾンで写真家名を検索すると写真集リストが出てくる。また現在はほとんどの写真家がオフィシャル・サイトを持っている。どのような仕事を行ったかの情報入手は非常に簡単だ。気になるフォトブックがあったらその写真家のいままでの仕事を調べてみることを強くおすすめしたい。

優れたアート性を持った写真家のフォトブックならば自分が興味を持ったトピックに関して斬新な視点を提供してくれるし、多くの知的満足感を与えてくれるだろう。

例えば最近、カナダ人写真家のグレッグ・ジラード(Greg Girard, 1955- )のフォトブック「Phantom Shanghai」を購入した。

彼の本はずっと気になっていたが、買ったのは今回が初めてだった。私が反応したのは2001年に撮影されたカヴァー写真と本のタイトルだ。タイトルは「上海の幻影」のような意味となる。ちょうど今年の9月に中国の上海に行って自分の持っていた中国のステレオタイプの都市イメージと現実との乖離の大きさに驚いていたところだった。発展途上国的な部分と近代的な部分が共存しているイメージだったのが、いまの上海都市中心部は完全に近代都市そのものだった。グレッグ・ジラードの写真は、近代的高層ビルを背景にして、まるで爆心地みたいに破壊されて廃墟化したスペースに、古い時代の建造物がぽつんと佇んでいるような写真。廃墟に見える建物には電燈がともっていて人の気配が感じられるという、とてもシュールな写真なのだ。
それは、まさに私が感じた認識のギャップを埋めるような写真だった。早々に彼のキャリアを調べてみた。「City of Darkness: Life in Kowloon Walled City」を1993年に刊行しており、香港でも九龍城の高層スラム街を5年間にわたり包括的に撮影していた写真家だった。彼は貧富の格差など、近代化、文明化のダークサイドを主に中国で継続的に撮影している写真家だと分かった。その他、アジアの米国軍基地の周辺を撮影するシリーズ「Half the Surface of the World」では、そこにまるで米国郊外の町のような奇妙なシーンが展開している状況を提示している。私はこちらのテーマにも興味を感じている。

また私は過去に刊行された写真集の古書相場も調べることにしている。これは古本の専用サイトでなくてもアマゾンの本紹介ページの中古本(Used)欄でチェックできる。絶版本の古書市場での相場は、写真家のアート性の評価が反映されている。ジラードの「City
of Darkness: Life in Kowloon Walled City」だが、特に初版ハード版は非常に高額なレアブックとして取り扱われており、彼の市場での高い評価がわかった。私たちがフォトブックに魅了されるのは、自分と同様の興味を持つ写真家のメッセージを通して、ある特定のトピックの新たな視点を獲得できるからなのだ。高度情報社会の現在、様々なメディアから膨大なフォトブック情報が入手できる。それらの内容を吟味したうえ、自分が何を考えて、何に興味があるかを意識した上で整理整頓し、自分に必要なものだけを選べばよい。それを基準に自分が求めるフォトブックを判断するのだ。人はそれぞれの考えを持っているので、結果的に他人と自分では良いと思うフォトブックも違ってくる。フォトブックのコレクション構築は自分が何に興味がある人間かを知ることであり、自分探しと同じなのだ。私たちはフォトブックを通して、世界の仕組みをより良く理解できるようになるのだと思う。

「写真に何ができるか」
-思考する7人の眼-
2014年4月中旬に刊行!

近日中に、新進気鋭の写真家7名による「写真に何ができるか」(思考する7人の眼)という本が窓社から刊行される。私も編者とし企画に関わっているので内容を紹介しておきたいと思う。本書はもちろん写真を紹介するヴィジュアル本なのだが、写真家の人たちが自らの言葉でテキストを書いているのが大きな特徴になっている。

全員に、”自分にっとて写真とは何か、そしてどんな可能性を信じていま、そしてこれからも写真を撮ろうとしているのかを自分の言葉で書いてほしい”と依頼した。昨年の夏から本当に多くの新人、中堅写真家にテキスト執筆を打診してきたが、快諾してくれる人は思いのほか少なかった。本当は10~12人くらいを想定していたが、きりがよい数字なので参加者は、三善チヒロ、幸田大地、にのみやさをり、石橋英之、芦谷淳、西野壮平、武田慎平の7名となった。

写真をアート作品として提示する場合、写真家が伝えたいことを自ら語ることが必要不可欠だ。しかし日本では、ヴィジュアル重視の傾向が強く、この部分はあまり重要視されていない。また語る人の中にも、自分以外の人が紡ぎだした世の中に流布しているメッセージをそのまま流用する場合がよく見られる。自作を自分の言葉で語り、書くことに慣れていない人が本当に多いのだ。中には素晴らしいコンセプトの作品を制作しているのだが、時間的に考えをまとめる時間がないという理由から断る人も複数いた。
以上から、本書の参加者は、みな普段から世界をみずからの眼で見て、思考することで作品テーマを見つけ出している人たちといえるだろう。彼らは自分自身の明確な考えを持つからこそ、あまり抵抗なくテキストを書き上げることができたのだと思う。本書は、写真家が文章と写真作品というに二本立てで自らのメッセージを世の中に発信しようという試みなのだ。

本書の発案は窓社の西山俊一氏。同書のまえがきで彼は以下のように語っている。
「ここに紹介させていただく写真家たちは、前述のような写真的現実のさまざまな変化変容に関わらず、「写真とは何か」という問いを手放さず、写真に対して真正面から真摯に誠実に向き合い、写真をみずからの人生の縁にして生きていこうと決意し、あくまでも自分の内発的を糧に自律的作品の制作にエネルギッシュに挑んでいる気鋭の写真家たちである。私には彼らが写真の世界から生まれ出た哲学徒のように思われてならない。私にとって哲学者とは「問う人」であり、答えの見えない可能性に「挑む人」であり、あくまでも自前で思考し、どんな境遇にあろうとも「自分自身」を生きようとする者の謂いである。」

私も彼ら7名の写真家のアート写真界においてのポジションを明らかにするテキストを書いている。デジタル化が進行して、現代アートが市場を席巻しているこの時代を「デジタル革命の第2ステージ」として様々な現状分析を行った。21世紀になり、従来のアート写真がどのように現代アート市場に飲み込まれていったのか、その過程を詳しく解説している。デジタルとアナログを比較して、どちらが優れているというような議論がなされているのはいまや日本だけの現象なのだ。
またギャラリストの立場から、各写真家のメッセージがこの時代でどのような意味をもつかの評価も試みている。写真でアーティストを目指す人には、現代写真市場の最先端の現状を知るとともに、ギャラリーの持つ具体的な価値基準を理解できる内容になっていると思う。写真が売れないといわれる日本市場の分析もかなりディープに行っているのでコレクターの人にも、何を買うべきか、買わないべきかの参考になるだろう。

写真家のテキストを強調してきたが、それはあくまでも写真作品とともに存在するもの。 やはり、本の中の印刷物よりも実際のオリジナルプリント見てもらうことが絶対に必要なことはいうまでもない。
「写真に何ができるか-思考する7人の眼-」参加者による写真展開催を5月中旬に開催することになった。会場は広尾のインスタイル・フォトグラフィー・センターを予定している。会期中は写真家と編者による、トークイベントも予定している。実際の写真を見ながら、作家本人のメッセージが聞けて、販売業者のセールス・トークも聞ける興味深い機会になると思う。

「写真に何ができるか-思考する7人の眼-」(窓社、2014年4月刊)
三善チヒロ、幸田大地、にのみやさをり、石橋英之、芦谷淳、西野壮平、武田慎平
(編者)福川芳郎
販売価格 2700円(税込)

2013年に売れた洋書写真集
偉大なアマチュア写真家ヴィヴィアン・マイヤーが2連覇!

 

アート・フォト・サイトはネットでの写真集売り上げをベースに写真集人気ランキングを毎年発表している。2013年の速報値が出たので概要を紹介する。

一番売れたのは、2年連続でヴィヴィアン・マイヤー(1926-2009)の「Vivian Maier: Street Photographer」(powerHouse Books 2011年刊)だった。
なんと2位にもマイヤーの2012年年末に刊行された「Vivian Maier: Out of the Shadows」(Cityfiles Press 2012年刊)が入った。
彼女は2007年にシカゴの歴史家ジョン・マーロフにより発見された米国人アマチュア写真家。彼女のストリート写真は、ヒューマニストの視点による戦後アメリカの都市部のリアルライフが写されている。社会のマイノリティーの人たちへの暖かなまなざしも好印象の理由だと指摘されている。 またヴィジュアは高いレベルの、美しさ、感動、ユーモアを持ち、ダイアン・アーバス、ロバート・フランク、アンリ・カルチェ=ブレッソンと比較されることすらある。エステート・プリントはニューヨークの老舗ギャラリー、ハワード・グリンバーグが取り扱っている。

2位の「Out of the Shadows」は上記のマーロフではなく、約2万点に及ぶ”Jeffrey Goldstein Collection” からセレクトされたもの。1949年~1970年代中盤までの作品が収録。マイヤーを知る人物とのインタビューなども収録されている。
彼女の写真アーカイブスにはまだ膨大な写真が残っており、調査が進むに従って今後も写真集が刊行される予定だ。

3位はウォーカー・エバンスの歴史的名著「American Photographs」(MoMA、2012年刊)の再版。ながらくランキングしていたロバート・フランクの「アメリカ人」の代わりという印象だ。 それ以降は、長期にわたるベストセラーのスティーブン・ショアー、ファッション系の、ギイ・ブルダン、リチャード・アヴェドン、ジャンルー・シーフが続いている。

ランキングの順位を見るに、2013年は特に目新しい動きがなかった印象が強い。不況による読者の保守的な購入傾向が続いていて、当たりハズレのない定番が売れるのに変わりはないようだ。ヴィヴィアン・マイヤーが上位を占めたが、彼女の写真は伝統的なクラシック写真に分類されるので意外性は少ないと思う。

2013年の一番大きなニュースは、外部環境の激変が売り上げに大きな影響を与えたことだと思う。つまり外為市場で進行した急激な円安だ。2012年はだいたい1ドルが75円から85円以内の円高水準に推移していた。それが2013年になると年初からドル高/円安が進み一気に100円を突破していく。1年間でだいたい20~25%くらいも円安に動いたことになる。写真集は欧州からも入ってくる、ユーロ/円は2012年はだいたい1ユーロが75円から110円のレンジだったのが、2013年は120円~145円のレンジになった。こちらはさらに大幅な円安水準に振れていたのだ。

外為市場での急激な円安は、仕入れ価格、輸送コストの上昇により洋書写真集の販売価格上昇に直結する。その結果、2013年の売り上げ金額は前年比約35%減と大きく落ち込んだ。これは東日本大震災の影響で約18%減少した2011年を上回る減少となる。金融緩和で株価は上昇したが、そもそも何でそのような金融政策が必要かというと景気が良くないからだ。本当に景気が良ければ長期金利が上昇するはず。そのような状況での円安による輸入コスト20%超の上昇は売り上げを直撃する。いままでは安く買えたと思うと、なかなか新しい価格を心理的に受け入れにくい面もあるだろう。
アートフォトサイトでは写真集を紹介した段階の為替レートで参考価格を表示している。特に円高だった2012年刊の写真集の販売価格はいま大きく上昇している。2位のマイヤー「Vivian Maier: Out of the Shadows」は、4,571円から6,076円に約30%上昇、ウォーカー・エバンスの「American Photographs」は2,590円から3,503円に約35%上昇している。
今後の為替レートも円安傾向が定着すると思われる。4月には消費税率が上昇する。もし欲しい洋書がある人は3月中に入手しておいたほうがよいだろう。

2013年ランキング速報
1.Vivian Maier: Street Photographer, 2011
2.Vivian Maier: Out of the Shadows, 2012
3.Walker Evans: American Photographs, 2012
4.Uncommon Places: The Complete Works, 2004
5.William Eggleston’s Guide, 2002
6.Avedon: Women, 2013
7.Jeanloup Sieff: 40 Years of Photography ,2010
8.The Last Resort: Photographs of New Brighton: Martin Parr, 2010
9.Lewis Baltz, 2013(European Retrospective)
10.The Mexican Suitcase, 2010

詳しい全体順位と解説は、近日中にアート・フォト・サイトで公開します。

「グラビア美少女の時代」(集英社新書) グラビア写真はアートになり得るのか?

写真家細野晋司による「グラビア美少女の時代」が集英社から発売された。これは細野のグラビア写真約200点と複数の著者による文章とで構成されたヴィジュアル版の新書。
綾瀬はるか、相武紗季らの貴重な写真が満載されている一種の写真集なのだが、コンパクト・サイズの新書版なので価格はリーズナブルだ。この中で私は「グラビア写真からアートは生まれるか」という章を担当した。

グラビア写真はアートとは対極に位置するポップカルチャーだ。それがアートになるかという論議にはかなり無理があると感じられるだろう。まず最初にどのような考えでこのやや無茶な提案を引き受けたかを説明しておこう。

私の専門はアートとしてのファッション写真。しかし、それは単に洋服を着たモデルを撮影したものではない。実際にはアートになりえるファッション写真はほんの一握りなのだ。それが市場で認識されるようになったのは80年代後半とまだ比較的歴史が浅い。そこにいたる歴史と理論構築の過程が、もしかしたらグラビア写真にも応用できるのではないかという直感があったのだ。また文章化することで自分のなかの知識を整理整頓したいという意図もあった。

苦労したのは、想定している読者がグラビア写真を愛でる一般の人たちであること。アートとして理論を展開していくためには、読者と書き手が知識や考え方を共有していることが前提となる。一般の人にアート関係の文章が分かりにくいのは、書き手はある程度の情報を持つ読者を想定して書いているからだ。
今回は、まずアート写真の基本から説明する必要があった。日本では一般的に写真はアマチュアが撮影する趣味と考えられているが、世界にはアートとして認識される写真が存在することから語り始めないといけなかった。 その過程では、読者の現状を把握している編集者からもらった色々なアドバイスは非常に参考になった。またここでの試みを通して、一般の人に写真のアート性を理解してもらい、それらをコレクションしてもらうまでの道のりの困難さを改めて実感した。

前述のようにグラビア写真がアートになるかどうかを、アート系ファッション写真が誕生した経緯を参考に検証を始めた。またその前提に、日本が大衆文化とファインアートが混在している社会であることにも注目した。これは現代アート分野の作家がコンセプト構築の前提としてよく使う認識。この土壌があるからこそ今回の理論展開の可能性が出てくるのだ。
そのためにはグラビア写真と写真史とのつながりをどのようにリンクさせるかがポイントとなる。私は欧米でファッション写真がアートとして認められた流れと、80年代の日本で起きた、広告写真の延長上にアート表現の可能性を探究する流れにあるとした。残念ながら後者はバブル崩壊で頓挫したが、現在の写真界のアート的不毛状況はその流れとつながっていると考えた。しかし、ここの部分は専門的すぎて新書の読者には内容が難しすぎるということで今回は掲載はしなかった。個人的には絶対必要な分析と考えるので機会があればぜひ紹介したいと思う。

歴史とのつながりを確認し、現状分析を行った結果、21世紀の日本では従来タイプのグラビアは残るだろうが、アート性を持つ新しいグラビアが生まれる可能性もあると結論づけた。そしてアートの可能性は最終的に写真家の志向性にかかっているとした。写真家の発想と意識の転換が求められるということだ。グラビアはマスの人たちが満足する写真。しかし、アートとなるとたターゲットが異なってくる。知的好奇心やヴィジュアル感度が高い比較的少数の人たち向けの高品位なものになるということだ。発表するメディアも、雑誌よりも発行部数のすくないフォト・ブックやアート・ギャラリーでの写真展の形態をとるだろう。それらは高品質で限定販売のものとなるので値段も高くなる。ビジネスモデルは従来の薄利多売から、高額商品の少数売り切りを目指すタイプへと変わってくる。イメージとしては少数相手の純粋ファインアートと多数相手のマス向けのポップカルチャーの中間的なポジションになっていくのではないか。アートのエッセンスを持つインテリア向け写真といえないこともない。

色々と状況を分析した結果、欧米のアート系ファッション写真のポジションに日本ではアート系グラビア写真が入るかもしれないと感じ始めてきた。私はいままで日本の広告やファッション分野で活躍している人たちに、自分たちの仕事の延長上にアートの可能性を見つけてほしいと語ってきた。残念ながらそれは非常に困難な試みだった。
アート性獲得には作品作りの段階で写真家にどれだけの自由裁量が与えられるかが課題となる。日本では関係者が多いファッションや広告よりも、グラビア写真の方が写真家が比較的自由に撮影できる環境があるのだ。一番大きなハードルは被写体のグラビアアイドルとその所属事務所の認識を写真家が変えることができるかどうかだろう。欧米では優れた写真家はアーティストと考えられている。モデルになる人はどんな有名人でも自分がアーティストの作品の一部になることを好むのだ。それらは写真集に収録され、アートギャラリーで販売もされている。日本でそのようにポジションを獲得するための努力を行う写真家が生まれてくるかということだ。

誰かがこの分野で先陣を切って行動を起こさないと何も始まらない。今回はギャラリストの立場からできる情報発信の一環として「グラビア写真からアートは生れるか」を引き受けたのだ。本ブログで連載している「日本のファッション系フォトブック・ガイド」も同じ視点で書いているので興味ある人はチェックして欲しい。
写真家では、細野晋司にぜひその先導の役割を担ってほしいと考えている。有名人ポートレート写真でのアート性を追求した写真集「知らない顔」を作り上げたヴァイタリティーがあれば可能だと思う。
かつて、ヘルムート・ニュートンは雑誌の撮影セッションの後にプライベート作品の撮影を続けて行ったという。それは日本のグラビア写真の現場でも可能な取り組みではないだろうか。

現在の日本のアート写真市場は非常に小さい規模しかない。私は、アート系グラビア写真にはビジネスチャンスが十分にあると考えている。 現存するアートカテゴリーの、現代アート系、エログロ系、ファインアート系、ドキュメンタリー系、インテリア系などよりも、間違いなく多くの人がリアリティーを感じる分野だと思われるからだ。
決して簡単なことではないが、グラビア写真のアート性が認識されれば写真家にとって新たな仕事分野が創出されることになる。市場の存在が認識されれば、多くの才能のある人が参入してくるはずだ。「カワイイ」に次ぐ、世界への情報発信も可能な日本独自の文化に育っていく可能性も十分にあると思う。

○「グラビア美少女の時代」 (集英社新書ヴィジュアル版)
細野 晋司 (著)、鹿島 茂、仲俣 暁生、濱野 智史、山内 宏泰、福川 芳郎、山下 敦弘
1,260円

グラビア写真のことがメインに取り上げられているが、アート系ファッション写真に興味ある人でも楽しめる内容だと思う。興味ある人はぜひ読んでみて欲しい。

フォトブックのコレクションのいま 写真集ガイドブックの最新ガイド

2000年代に起きたフォトブック・コレクションの一大ブームは、
“Book of 101 Books, The: Seminal Photographic Books of the Twentieth Century”(Andrew Roth著、2001年刊)や、
“The Photobook: A History, Vol.1 & Vol.2” (Martin Parr他、2004年 & 2006年刊)などの、歴史的レアブックのガイドブックが次々と刊行されたことから始まった。そこでフォトブックが写真表現の一つの形態であることが学術的に語られたのが大きく影響していると思う。
またハッセルブラッド・センターでのフォトブック自体を展示する展覧会の開催などが2004年にあり、新しいコレクション分野を求めていたアート写真コレクターが注目する。
その中でもガイドに多数掲載されていた日本のフォトブックに世界中のコレクターが熱い視線を注ぐことになる。日本人写真家はオリジナルプリントよりフォトブック制作に重点を置き、初版本はヴィンテージプリント同様の価値があると解説された。日本にはヴィンテージプリントがないと諦めていたコレクターが一部のフォトブックに殺到した。市場のピーク時には、川田喜久治の傷みやすいことで知られる写真集「地図」の極上状態ものが500万円以上で取引されたそうだ。この金額は明らかにフォトブックではなくオリジナル・プリントの値段だ。

その後、2008年秋のリーマンショック後の景気悪化などが原因で低価格帯のアート作品市場は大きな打撃を受ける。それらの中心コレクターだった中間層が不況の打撃を一番受けたからだ。フォトブックはここ10年余りで市場が確立してきた低価格帯の新コレクション分野だった。市場自体にまだ厚みがなかったので景気後退の影響は大きかった。市場拡大により2006年からクリスティーズのロンドンなどで開催されていたPHOTOBOOKSのオークションも2009年を最後に休止されてしまった。いまではスワン・オークション・ギャラリーズなどで写真作品の一部として取り扱われるだけになった。またオンライン書店photoeyeが開催するネットオークションでは継続されている。かつての世界的なレアなフォトブック・ブームは一休みという感じだ。

いま思えばフォトブックのブームは明らかにバブルだったといえるだろう。Errata Editionsから”Books on Books”シリーズがリーマンショック後の2009年に刊行される。このあたりがブーム終了の始まりだったと思う。
これは、オークションなどで高額で取引される入手困難のフォト・ブックの全内容をなんと複写(!)して別の本として紹介するものだった。まともに考えればこのようなタイプの本が売れたこと自体がバブルだったのかもしれない。

さて今まで話題が少なかったフォトブック市場だが、2011年以降には新たなフォトブックのガイドブックが次々と刊行されるようになってきた。たぶん企画自体は以前からあったものが、世界的な金融緩和により大恐慌が回避されたことで再び発売が決定したのだろう。
2000年代に刊行されたガイドブック類に対しては、その収録するフォトブックセレクションに対して様々な意見があった。いわゆる、もっと良い本があるのに何で掲載されないのか?のようなつっこみだ。
ガイドの発売がきっかけで今までは散逸していたフォトブックの情報がかなり専門家の元に集約されたのではないだろうかと思う。それが更に新しい切り口のガイド刊行につながったのだろう。市場が先行してそれをアカデミックに評価していく流れがここにも見られる。
最近のガイドの特徴は、ラテンアメリカ諸国、スイス、オランダなどの地域ごとのくくりになって狭い範囲でより深く掘り下げていることだ。2013年には、人気アーティストのエド・ルシェのコンセプチュアルなアーティスト・ブックに注目し、過去30年間の世界中に広がった彼のフォロアーを紹介するガイドまで登場した。これらの中には初めて見た写真家のフォトブックも数多く含まれる。
写真家にとってどんな形式にしろ作品を本にまとめることが重要なことを痛感する。例え最初は評価されなくても、本として残ってさえすれば時代や地域を超えて再評価の網に引っ掛かる可能性があるのだ。
フォトブックの世界的ブームは落ち着いたものの、どうもこのカテゴリーは世界各国の研究者により探求がゆっくりと進んでいる感じだ。日本のフォトブックも含めて調査が手つかずの分野もまだまだ存在する。市場は、写真分野、刊行された地域、規模ともに徐々にだが拡大していくことだろう。

フォトブックはアート写真のカテゴリーとして市場ではすでにポジションが確立されている。中長期的には現在のやや弱気な相場は絶好の買い場だと思う。日本のコレクターにはドル高による円貨額の上昇も気になるところだろう。もし狙っているフォトブックがあるならば、いまこそ買うつもりで市場を見た方が良い。 歴史的なレアブックの場合、真剣に買おうと思うと、案外お値打ちの良品の流通が少ないことに気付くのだ。状況を正しく把握して、心構えができていると肝心な時に判断に悩むことはない。

2011年以降に発売されたフォトブックのガイドブック

The Latin American Photobook, Aperture (2011/10/31)

・Swiss Photobooks from 1927 to the Present, Lars Muller Publishers; Mul版 (2011/12/5)

The Dutch Photobook: A Thematic Selection from 1945 Onwards, Aperture (2012/5/31)

VARIOUS SMALL BOOKS: Referencing Various Small Books by Ed Ruscha ,The MIT Press (2013/2/1)

2012年に売れた洋書写真集 ランキング順位に変化あり!

アート・フォト・サイトはネットでの写真集売り上げをベースに写真集人気ランキングを毎年発表している。2012年の速報値が出たので概要を紹介したい。

一番売れたのは、なんとヴィヴィアン・マイヤーの「Vivian Maier: Street Photographer」(powerHouse Books 2011年刊)だった。昨年までロバート・フランクの歴史的名著「アメリカ人」の刊行50周年記念エディション(2008年、スタイドル社刊)が4年連続の1位だった。なんと5年ぶりの1位交代となった。
マイヤー(1926-2009)は2007年にシカゴの歴史家により再発見された米国人アマチュア写真家。彼女のストリート写真は、ヒューマニストの視点を持ち、高いレベルの、美しさ、感動、ユーモアがある。戦後アメリカの都市生活のリアルライフが写されている点が評価されている。いまでは、ダイアン・アーバス、ロバート・フランク、アンリ・カルチェ=ブレッソンに並ぶ写真家といわれることもあり、作品は欧米の美術館やギャラリーでも展示されるようになった。写真雑誌「IMA」の2013年春号でも巻頭で紹介されている。
全く無名だった写真家がランキング1位だったのは集計を行ってみて正直驚きだった。

2位もやや意外だった。なんと映画監督ウィム・ヴェンダースの「Wim Wenders: Places, Strange and Quiet」(Hatje Cantz、2011年刊)。彼は写真集を数多く出しており、「Written in the West」などはレアブック市場でも人気が高い。ファンが多いのもうなずける。

それ以降は、いままで売れていた、スティーブン・ショアー、ウィリアム・エグルストン、ティム・ウォーカーなどの常連が入ってくる。ロバート・フランクは「アメリカ人」がランクを10位以降に落とした一方で、「You Would」(Steid、2012年刊)がランクインしている。4位は長らく待たれていたウォーカー・エバンスの歴史的名著「American Photographs」(MoMA、2012年刊)の再版だった。これはほぼ予想通りだろう。

毎年ランキングの集計を行っているが、長引く不況による読者の保守化により、ずっと定番が売れる傾向が続いてきた。ここにきてランキングに変化が出てきたのは読者もそろそろ新しいビジュアルを求めるようになったのではないか?
ちなみに、知名度が低いがヴィジュアルが斬新なシグ・ハーヴェイの「You Look at Me Like An Emergency: Cig Harvey」(Schilt Publishing、2012)もランキングに入っている。やや意外だったのはライアン・マッギンレイ。彼の「Ryan McGinley: Whistle for the Wind」 (Rizzoli、2012年刊)は思ったほど売れていない。アート業界と一般読者との間には人気のギャップがあるようだ。

全体の売り上げ金額は微減だった。2011年は3.11東日本大震災の影響で売り上げが約18%減少した。とりあえず2012年は減少傾向に歯止めがかかったとポジティブに解釈したい。2013年になり株価が上昇しているものの急激な円安傾向になっている。これは直接的に洋書価格の上昇につながる。相場の見方次第だが、さらに円安になると考える人は今のうちに欲しい洋書を入手しておいたほうがよいだろう。

2012年ランキング速報
1.Vivian Maier: Street Photographer
2.Wim Wenders: Places, Strange and Quiet
3.Uncommon Places: The Complete Works
4.Walker Evans: American Photographs
5.William Eggleston’s Guide
6.Tim Walker Pictures
7.Irving Penn: Small Trades
8.You Would, Robert Frank
9.Edgar Martins Topologies
10.You Look at Me Like An Emergency: Cig Harvey

詳しい全体順位と解説は、近日中にアート・フォト・サイトで公開します。

何で海外で評価が高いのか?木村肇 写真集「谺(KODAMA)」

百瀬俊哉写真展を見に来た窓社の西山社長が昨秋に刊行された写真集を持ってきてくれた。まだ30歳を超えたばかりの写真家木村肇がマタギの里の四季を2007年~2010年にかけて撮影した「谺(KODAMA)」(窓社、2012年刊)だ。夏場の焼畑や、雪山での猟のシーン、その周辺部の風景をとらえたコントラストが強く粒子感のあるモノクローム写真約30点が収録されている。
最近の報道によると、マタギの用具が伝統的な狩猟文化を伝えるものとして重要有形民族文化財に指定される見込みとのことだ。しかしこの本は消えゆくマタギの記録を目指したものではない。マタギの人たちのライフスタイルをパーソナルな視点で撮影しているのだ。写真家本人が彼らをリスペクトし、その生き方がカッコいいと思っているのが感じられる。それぞれの写真はドキュメント風だがきちんと構図が計算されて撮影されており、モノクロで抽象化された世界はまるで水墨画のような感じでもある。印刷にマット系用紙を採用していることも写真の雰囲気作りに一役買っている。

海外での評価が高く、2012年バッテンフォール・フォト・プライスにおいて2位に入賞したそうだ。これはドイツのC/Oベルリンとスェーデンの電力会社バッテンフォールが才能のある35歳までの写真家を紹介し活動をサポートするための賞。4回目の昨年のテーマは「Tension」だった。写真家本人がパリフォトに写真集を50部位手持ちしたところ完売したそうだ。
西山社長はこの若い写真家の自品をアピールするフットワークの軽さが気に入っている印象だ。手ごろな値段ということもあるが、写真集はもちろん、オリジナルプリントも関係者や仲間中心にかなり売れたそうだ。いくら良い写真でも写真家はそれを伝える努力を自ら汗をかいて行うことが必要だ。それは写真家自身が表現者として生きていくことの意思表示でもある。日本では優れた写真を撮影している人は多いが、ここの部分のプロ意識がかけている場合が多い。特に昨今の長引く不況の中では、写真が売れなかった90年代と同じく写真家本人の人間力、営業力が極端に重要になる。この点に関しては出版とギャラリーも同じで西山社長と話がよく合う。

写真史的には同じく雪国がモチーフとなった濱谷浩と小島一郎の写真集の延長上にあると評価されたと思われる。この2冊は金子隆一、アイヴァン・ヴェルタニアン著の「日本写真集史 1956-1986」(赤々舎、2009年刊)に収録されている。同書の解説によると、濱谷浩の写真集「雪国」(カメラ毎日、1956年刊)は、”日本人のアイデンティティーの礎となるもの、つまり日本人を日本人たらしめているものは何かを土着の文化のなかに探ろうとしている”という。
小島一郎の写真集「津軽」(新潮社、1963年刊)は、ハイコントラストの写真と構図によりとてもモダンな雰囲気を持っている。津軽を記録するのではなくパーソナルな視点で撮影しているのが特徴だ。木村の写真はよりこちらに近い雰囲気を持つ。
「日本写真集史 1956-1986」はアパチャー社から英語版が刊行されている。このガイドブックの存在が木村の写真集の写真史での位置づけを明確にしてバッテンフォール・フォト・プライス入賞につながったのは明らかだ。

上記の「日本写真集史 1956-1986」だが、収録されているのはほとんどが70年代までの本。81年以降は深瀬昌久の「鴉」(1986年刊)だけなのだ。80年代以降は高度経済成長により、それまで繰り返されてきた、戦争の総括、欧米文化の影響、日本人のアイデンティティー探求のようなテーマが写真家にあまり意識されなくなった。日本社会はバブル経済に突入し、多くの写真家も商業写真の世界に取り込まれていく。どうしても読者に伝えなければならないような大きなテーマが喪失していくのだ。
では21世紀の現代になんでマタギの写真なのか?どうしてそれが欧州で評価されるたのだろうか?それは自然を支配することが前提のキリスト教を背景とする近代化が数多くの問題に直面しているからだろう。欧米人は東洋人以上にその点に無力感を抱いているのだ。多くの産業は地球の有限の自然資源を消費しながら成長を続けてきた。その結果、環境が悪化し、気候の温暖化などを引き起こしている。さらにリーマンショックを経験して多くの人が経済成長が必ずしも善ではない事実に気付き始めている。そこで繰り返しでてくるのが、自然に神を見出す東洋の神道や仏教のような考えなのだ。アート写真、現代アートの世界では何でもテーマをここに安易に関連付ける悪癖があるくらいだ。
しかし伝統的な狩猟文化をテーマに撮影を続けた木村の写真はそれらと明らかに一線を画している。マタギは山に神を見出しているという。現代の日本人が明治以降に忘れ去った伝統的な意識がマタギの世界には残っている。それを若い写真家がテーマにしたということは、時代が変化したものの日本の伝統的な精神性のDNAは私たちに潜在的に流れているということなのだろう。
結果的にはまず海外での評価が先行したのだが、発行人の西山社長は作品の背景にあるテーマを感じ取り、現代の日本人へメッセージとして新人作家の写真集化を英断したのだと思う。

伝えたいメッセージを持ち、作品作りを真摯に継続している人には無名でもチャンスが必ず訪れるのだ。

神話化されたヴィジュアル世界 ライアン・マッギンレー写真集
「WHISTLE for the WIND」

ライアン・マッギンレー(Ryan Mcginley, 1977-)の新作写真集「WHISTLE for the WIND」(Rizzoli、2012年)が刊行された。2000年~2011年までに撮影された約130作品が収録されたキャリア初期から中期を回顧するものだ。カラー作品は、昨年に刊行された「You and I」(Twin Palms,2011年)とかなり重なる。 違いは2010年以降にスタジオで撮影されたモノクロのヌード作品が収録されていること。
ダストジャケットに採用されているのは、ヌードで走る若者たちの背中を明るめに撮影した”Highway,2007″。これはアイスランド出身バンドのシガー・ロスによる”Med Sud I Eyrum Vid Spilum Endalaust”(2008年)のCDジャケットにも使用されている。
音楽の好みや感じ方は人によって違うし、それを言葉で伝えるのは非常に難しい。私は人に音楽勧めることはしないのだが、このバンドの作りだす寂寥感を持つサイケデリックで美しい音の世界はマッギンレーの自由と美を追求する写真世界と通じると個人的に感じている。

本書「WHISTLE for the WIND」を見るとき、いくつかの注意点がある。
まず写真集として個別の写真を流れで連続して見ない方がよいだろう。実は彼の多くの作品は巨大サイズなのだ。72 X 110インチ(182X279cm)もの壁画のような作品もある。このスケール感は写真集では理解できない。実物の展示見るのがベストだが、展示風景の写真をみてもその感覚がつかめると思う。 つまりアート写真というよりも、現代アート作品として認識して本のページを見たほうがよいのだ。彼は写真で表現する現代アート作家で、本書は代表作を収録したカタログもしくは画集と理解すればしっくりくる。それぞれの作品は映画のワンシーンを切り取ったような連続性、ストーリー性を感じるが、作品自体は独立して存在する。マッギンレーを一般的な写真家と先入観でとらえない方が良いだろう。
カタログ的な写真集の刊行が続いた背景には、自分の世界観はすでに世の中で受け入れられているという認識があると思う。今度はそのイメージを定期的に大量に発信することで自らの世界観を強化しようと目論んでいるのだろう。

前回も紹介したが、マッギンレーは、「私の写真は人生を謳歌するもので、その喜びで、美しさだ。しかし実際の世界にはそれらは存在しない。私が生きていたいと思う、本当に自由で、ルールがない、つまりファンタジーの世界なのだ。」と語っている。彼は気が滅入るようなイメージは作りたくないと一貫して主張しているのだ。
本書ではマッギンレーが紡ぎだしてきたそんなポジティブな写真世界が明確に展示されている。以前紹介したが、彼の作品は初期作品を除いてほとんどがキュメントではなく作り込まれたフィクッションなのだ。(文章最後のリンクの記事を参考にしてください) 私たちは誰も実現したいと願いながら、決してできないファンタジーの世界を持っている。特に高度資本主義社会のなかで交換可能な存在である多くの人は、かけがえのない自分を実現する場所を熱望している。マッギンレーの写真世界では、実生活における偶然性が演出されている。そこでは健康的な若い男と女たちが美しく特別な自然環境の中で、服を着ないで自由に走り、飛び跳ね、またたたずんでいる。誰もが現実には存在しないそんな特別な場所に身を置きたいと熱望するのだ。

マッギンレーの写真世界には様々な仕掛けがある。彼は決してプロのモデルを使わない。素人のモデルたちをヌードで撮影するのが彼の写真の持つリアル感の源泉だろう。ヌードに日本人は違和感を感じるだろう。日本では刑法上の問題が生じてくる。しかし、欧米には裸で自然の中で暮らすヌーディズムの歴史があり、それは衣服の拘束からの解放や、裸で日光、水、大気に触れることを目的とした一種のレクリエーションとして実践されている。基本は他人の裸を見るのではなく、自分が裸になることがも目的だという。彼はインタビューで、モデルたちは服を着ているときの方がセクシーに見えると語っている。つまり服が人を魅力的に見せるからそれを避けようとしたのだ。素人のモデルから、さらに素のリアルさを引き出すために服を着せないのだと思う。

彼の写真ではフレーミングが特徴的だ。多くのイメージは、モデルたちが複雑に絡み合い動き回り、写真の枠を超えて存在する。一瞬をとらえるのではなく、特異な状況の中で、被写体が飛んだり、ジャンプしていたり、落下していたりすることで見る側の心をとらえているのだ。彼は5歳から18歳までほぼ毎日スケートボードをしていた。写真撮影の時もスケードボードに乗っている方法で行うという。ヴィデオでスケードボーダーを撮っていた経験が生かされているのだ。
また彼の世界観は完全にアメリカ文化を下地にしたものだ。野原を駆け抜ける写真などは、明らかにアメリカの原風景とそこで暮らす人々を描き続けた画家アンドリュー・ワィエスの精神と通じている。それは、ラルフ・ローレンやトミーヒルフィルガーの世界観ともつながると写真集巻頭のテキストでも指摘されている。

そんな彼の写真から私たちは自然と様々な意味を読み取ることになる。アメリカの伝統文化を取り込んだヴィジュアルは、直感的にアメリカン・ドリームを思い起こさせる。若干24歳でのホイットニー美術館の個展開催など、彼は実社会ではありえない成功を成し遂げている。若くしてのアーティストとしての成功は彼の神話性を強化する役割を果たしているのだ。 彼の写真世界は、自分の実力で若くて成功を手にするアメリカンドリーム、そして健康、自由、美の象徴なのだ。それが社会環境の変化により、もはや奇跡的な出来事になったからこそ多くのオーディエンスを魅了する。特に彼と同世代の「ジェネレーションY」からは圧倒的に支持されているという。彼の神話性は中間層の没落とともに強化されてきたのだ。

写真集の巻頭で、写真家としても知られる映画監督ガス・ヴァン・サント(1952-)との会話が収録されている。それによるとマッギンレーは次の展開として映画撮影を考えているらしい。元々彼は家族のスーパー8ムーヴィーカメラでスケートボーダーを撮影していた。また毎夏に行っているロードトリップは映画のアイデアを写真にしたとのことだ。入念に仕込まれた撮影アプローチや、動きのあるシマティックな広がりを持つイメージ類をみるに自然な展開だろう。いまや神話化されつつあるライアン・マッギンレーのヴィジュアル世界。こんどは映画形式で多くの人の心を魅了するのだろう。

・ライアン・マッギンレー関連のブログ
なんでライアン・マッギンレーはすごいのか?