月別: 2025年3月

欧米では写真はファインアートのひとつの表現方法として定着している。ギャラリーのプライマリーとともに、オークションのセカンダリー市場も大きな取り扱い規模を誇る。
2024年、私どもは欧米市場で開催された約60の写真関連オークションをフォローした。トータルで7663点が出品され、5313点が落札。不落札率は約30.67％だった。ドル、ポンド、ユーロでの落札なので、円換算して総売り上げを集計すると約126.3億円。2024年は円安が大きく進んだので円建ての数字はかなり増加した。

翻って日本では、残念ながら現在では写真専門のオークションは開催されていない。実は2006年～2007年にかけて、東京オークション・ハウス・アール・ローカスで写真専門のオークションが開催されていた。主に海外の有名写真家の作品を取り扱うライブ・オークションだった。しかし、開催回数が増えるに従い、作品の落札予想価格が、海外相場より高めに設定されるようになった。たぶん委託者の購入価格以上での売却希望が反映されたことによったと思われる。すでにインターネットは普及していたので、コレクターの大半を占める海外からの入札が入りにくい状況だった。同オークションは、日本で写真コレクションの浸透と拡大目指した意欲的な試みだったが、景気の低迷と落札率の低迷で撤退を余儀なくされた。

その後、大手のシンワ・アート・オークション、アイアート・オークション、SBIアートオークションが20世紀、21世紀アート・カテゴリーの一部で写真作品を取り扱ってきた。しかし、国際的に人気の高い外国人写真家は少なく、ほとんどが荒木経惟、森山大道、杉本博司、植田正治、森村泰昌などの作品だった。

ところが今年の3月8日にSBIアートオークションで開催された「BLOOM NOW」では、久しぶりに世界的アーティストたちの写真作品が出品されて注目された。これは世界中のコレクターが注目する「アートフェア東京」の開催時期に合わせて、同じ東京国際フォーラムで毎年行われる同社が一番力を入れているオークションになる。カタログには、「日本のマーケットでは流通量が少ない国際的なブルーチップアーティストの作品等を含む、およそ90点の魅力ある作品を皆さまにお届けします」と紹介文が掲載されている。

写真関連では、杉本博司、ウォルフガング・ティルマンス、テリー・オニール、リチャード・アヴェドン、アンドレアス・グルスキー、ゲルハルト・リヒター、JR、荒木経惟、今坂庸二郎の作品が出品された。いまの世界のアート市場は、政治経済などの外部環境の不透明さから、様子見気分が強い。本オークションでも特に落札予想価格の上限を超えるような勢いはなかった。しかし、ほとんどの作品が落札予想価格の範囲内で落札された。一般的に日本での写真作品の落札率は低いので、関係者は胸をなでおろしたことだろう。

落札結果だが、現代アート系では、アンドレアス・グルスキーの「Em Arena II, Amsterdam, 2000」が写真作品の最高額の落札だった。Chromogenic print mounted on plexiglas、イメージサイズ 229.7X161.8cm、エディション6の大判作品で、落札予想価格20,000,000～25,000,000円のところ、23,000,000円だった。
ゲルハルト・リヒターの「MV. 34, from Museum Visit, 2011」、Lacquer on colour photograph、イメージサイズ 10 X 15 cm作品は、落札予想価格7,000,000～14,000,000円のところ、8,050,000円で落札、
杉本博司の「Mediterranean Sea, Cassis, 1989」、Gelatin Silver print、イメージサイズ 42.3X54.2cm、エディション25作品は、落札予想価格1,800,000～2,800,000円のところ、4,140,000円で落札された。
20世紀写真では、リチャード・アヴェドンのアイコニックな「Nastassja Kinski and the Serpent, Los Angels, California, June 14, 1981」は、残念ながら不落札だった。これも超有名作のテリー・オニールの「Brigitte Bardot, Spain, 1971」、イメージサイズ 35.9X54.7cm、作家とバルドーのサイン入り、エディション50 作品は、落札予想価格1,200,000～1,800,000円のところ、1,380,000円で落札された。

写真関連では、9点中8点が落札。開催日前の週からに為替市場が一転して円高傾向になり、外国人入札者にはやや不利な状況だったといえるだろう。オークションは複数の入札者が競り合うことで価格が上昇していく。そして写真コレクションの中心地は圧倒的に北米になる。今回のオークションは東京時間の13時スタート。欧州、英国のコレクターは早起きすれば参加可能だったが、写真コレクターが最も多い米国は深夜の時間帯になってしまう。写真に関して限定して考えると、北米を意識したオークション開始時間を検討してもよいかもしれない。

どちらにしても、日本ではSBIアートオークション以外は、あまり高額で売れない写真の取り扱いに積極的ではない。しかし、バブル時代から20世紀後半にかけて、海外の優れた写真作品が大量に日本で輸入販売されてきたのだ。21世紀に入り25年が経過した。これらをコレクションした人たちはかなり高齢になり、コレクションの整理を検討しだす時期だと予想される。今後は外国人コレクターが好むような優れた世界基準の写真作品のオークション出品は増えていくのではないか？　日本での今後の写真関連オークション市場の拡大に期待したい。

(落札価格は手数料込)

前回、2024年のオークション高額落札ランキングで上位を占めたリチャード・プリンスのカウボーイ・シリーズの市場人気の背景を考えてみた。
実はもう一人忘れてはいけない重要なアーティストがいる。2024年のランキングで「Untitled #94, 1981」が8位の$806,400.(約1.23億円)で落札された、米国人女性アーティストのシンディ・シャーマン(SHERMAN, Cindy)だ。写真関連作品オークション歴代高額落札でもベスト10に2作品が入っている。6位が「Untitled #96, 1981」で、2011年5月8日にクリスティーズ・ニューヨークで$3,890,500、そして7位が「Untitled #93, 1981」で、2014年5月14日サザビーズ・ニューヨークにおいて$3,861,000で落札されている。
この上記3点はいずれも80年代初頭に制作された「Centerfolds」(Untitled #85–#96)シリーズの約61X120cm サイズ、エディション10のカラー(color coupler print)作品となる。ちなみに2014年5月12日にクリスティーズ・ニューヨークで落札された、リチャード・プリンスのカウボーイ・シリーズの最高額落札「Untitled (Cowboy), 1998」は、$3,749,000.で、歴代9位なのだ。

シンディ・シャーマンは1954年ニュージャージー生まれ。現代社会を取り巻くマス・メディアの状況に対応したピクチャーズ・ジェネレーション(リチャード・プリンス、ルイーズ・ローラー、シェリー・レヴィン、ロバート・ロンゴを含むグループ)の最も重要なアーティストの一人だ。彼女を有名にしたのが23歳のときに始め、1977年から1980年まで主に野外で制作されたモノクロ写真の「Untitled Film Still」(アンタイトルズ・フィルム・スチール)シリーズ。 スチール（still）とは、動画に対する語で、動きのない静止画のこと。これは仮想のスチール映画写真で、50年代のハリウッドやヨーロッパのＢ級映画のワンシーンを想像させる設定で、彼女がマリリン・モンローやソフィア・ローレンなどのような様々な出演女優そっくりに扮装して自らを撮影した8×10インチサイズのモノクロ写真シリーズ。B級映画に描かれている多様な女性のステレオタイプのアイデンティティを自分自身で演じることで表現、当時のアート界で高く評価された出世作だ。1995年にはニューヨーク近代美術館が「Untitled Film Still」シリーズのAP(アーティスト・プルーフ)を一括購入しており、その後は作品価格が上昇傾向をたどってきた。2014年11月12日のクリスティーズ・ニューヨークのオークションでは、8X10“インチサイズの本シリーズからの21点が$6,773,000で落札されている。

彼女の作品の市場での高い評価には時代背景が大きく関係しているので確認しておこう。1960年代後半から1970年代前半にかけて、女性解放運動が世界中で広まった。フェミニズムの意味をネットで調べると”政治的・経済的・個人的・社会的な面におけるジェンダーの平等を確立することを目指す一連の社会運動と思想のこと”と書かれている。いまの時代の女性には当たり前なのだが、実際のところ80年代までアメリカでも、フェミニズムは一部の女性たちのもので、公的な場で問題にすべきことではないという考えが強かったのだ。シンディ・シャーマンの作品が、まだ保守的な考えが残っていた時代の米国で生み出された点は押さえておきたい。

1980年代初頭、シャーマンは影響力のあるアートマガジン「Artforum(アートフォーラム)」掲載用に新作の制作を依頼される。彼女は横長フォーマットの、「プレイボーイ」のような男性向けエロティック雑誌のセンターフォールドを参考にした作品制作に取り組み、合計12枚の大型カラー写真(Untitled #85–#96)が「Centerfolds」シリーズとして制作される。前作の「Film Stills」シリーズとは異なり、この作品に映し出されているのは、男性視線を意識して用意されたセクシーで魅惑的な女性ではなく、感情的に曖昧な思春期の少女である。イメージをティーンエイジャーの生活でのスナップ写真のように作りこんでいる。シャーマン自身が、空想、憧れ、プライベートやメランコリックな心理的瞬間の若い女性を演じて、時に身体がリクライニングしているフォームで撮影されている。視点が定かでなく、ただ宙を見つめていて表情が読み取れない作品もある。通常は男性写真家が男性目線で女性を撮影するところ、ここでは女性が写真家とモデルのピンナップの両方の役割を担っている。フェミニズム的な要素を取り込んで、男性向けのセンターフォールド写真の要件を満たしたイメージを作り上げるという手が込んだ仕掛けのある作品なのだ。

本シリーズの写真にはヌードや明らかに性的なものはない。シャーマンは、エロティシズムを直接的感じないイメージをあえて提示し、そのなかに見る側が反応する様々な構成要素を確信犯で仕込んでいる。色彩、光、トリミング、空間、アイコンタクト（またはその欠如）、服装、髪型、姿勢、背景の細部などだ。そして期待と違うようなイメージを見せることで、伝統的な淫らでエロティックな想像や衝動を持つようなセンターフォールドの見方への誘いを中断させ、代わりに、描かれた女性の内面を熟考するよう見る者を誘うのだ。作品の様々な要素を見る側に読み解かせることで、メディアにおける女性の描かれ方を批評。また同時にそれがいかに現代社会でのジェンダーの前提、女性への期待、女性らしさの認識が作られてきたかを明らかにしている。私たちが無意識のうちの持つ、これらの前提や思い込みに疑問を投げかけながら、アート作品での提示を通して、見る側に気付かせようとしているのだ。

本作では、彼女自身がモデルで、演技をし、演出をして、写真家として撮影している。彼女はその役割に最大限の注意を払いながら、さまざまな装いを練り上げ、それぞれの写真作品を作り上げていく。スタジオセットを設営し、衣装を制作し、照明をデザインし、そして最終的には、アシスタントを使うことなく、孤独な世界で、完全に一人で写真作品を完成さている。作品制作のあらゆる側面をコントロールすることで、写真が「真実」のメディアであるという思い込みに挑戦しているともいえる。今では写真はパーソナルな表現であることは当たり前の認識だが、当時は写真が真実を提示するメディアであるような幻想がまだ残っていたのだ。

作品を依頼したArtforum誌の編集者は、当時の社会状況から本シリーズが社会から誤解されるリスクが高いと感じ、雑誌への掲載を見送った。その後、1981年11月にニューヨークのメトロ・ピクチャーズ・ギャラリーで本シリーズが初公開された時、編集者の予想通りに様々な議論が巻き起きたとのことだ。ある批評家は、ソフトコア・ポルノのフェミニズム的パロディと評価、また女性を被害者として描き、見る側に同一視や興奮を誘うものだという批判もされたという。シャーマンは、逆にこの話題性豊富なシリーズによりアート界で大きく注目するようになり、特に「Untitled #96」は象徴的な作品となったのだ。実際、1997年にロサンゼルス現代美術館とシカゴ現代美術館が主催したシャーマンの主要な巡回展のカタログの表紙画像に選ばれている。また2021年にはニューヨーク近代美術館がアート市場で有名作品を特集して本形式で紹介する「MoMA One on One Series」で取り上げて「Cindy Sherman Centerfold (Untitled #96) 」を刊行させている。シャーマンのキャリア上では、「Centerfolds」シリーズは、映画での役割を演じるアーティストの初期の作品と、その後に彼女が取り組み続けてきた他の多くの複雑な主題との間の方向転換が行われた重要作品と見なすことができると評価されている。オークション市場での高額落札にはこのような背景が関係しているのだ。

1985年以降、シャーマンは恐怖を表現する作品を制作、扮装もマスクやシリコンを使うなどより大胆にグロテスクになり、映画から離れてジャンキー、フリークス、死体まであらゆるタイプの人物に変身していく。その後、「Fashion Series」、「Fairy Tales Series」、「History Portraits Series」、「Sex Pictures Series」、「Society Portraits Series」に取り組んでいく。彼女の一連の変身する写真はウォーホールらのポップ・アーティストの流れをついでいると考えられている。映画、広告、ポルノ、ファッション、歴史などを作品に取り込むことでマス・メディアが作り上げた女性に対する固定観念を自らの肉体と変身を通してアート作品化し、世の中に提示し続けているのだ。