月別: 2026年3月

・はじめに
前回に紹介したオマージュ作品への取り組み。しかし、それには本当に自分が尊敬、敬愛するアーティスト/写真家との出会いが必要になる。最初から好きな人の作品のスタイル、アイデア、コンセプト、テーマ性などを取り上げて、それらを意識して、その枠やルールの中で表現を行うアプローチになる。しかし、そこに行きつくまでには、美術館/ギャラリーでの実物の作品鑑賞/コレクションなどの経験の積み重ねや、関連フォトブックなどの資料収集。読み込みが必要になる。どうしても時間も費用もかかってしまう。特にコスパやタイパを重視する学生や若手/新人には敷居が高いかもしれない。

・定型のオマージュ作品
そこで、いま何を撮ってよいかわからない人のために、今回はオマージュ作品を特定のアーティストや作品ではなく、一般的なスタイル、アイデア、コンセプト、テーマ性などに絞り込んで、その定型ルールの中で表現するアプローチを紹介したい。これは日本文化の背景を思い浮かべたときに閃いたファインアート写真の可能性だ。日本には伝統的に、定型表現のルールあり、その中で創作を行う茶道、華道がある。また定型詩の俳句や、短歌の叙景歌などもある。

既存のルールに従う撮影なので、自らが創作の理由、動機、方法を見つける必要がない、すぐに創作を開始できる。また写真撮影を通して、思考(思い込み)にとらわれずに自由に自分と向き合えるメリットがある。エゴ/邪念がないので、自尊感情への良い影響や、自己発見につながる可能性もあるだろう。今という瞬間に生きた時のビジュアルの記憶/記録行為にもなる。

・定型ファインアート風景写真
このような定型創作のひとつに定型ファインアート風景写真がある。撮影対象は自然/都市やストリートのスナップ的な写真になる。自分で撮影するほかに、ファウンド・フォトや古写真など、第3者の作品をこの視点で見立てた上でセレクションするアプローチもある。

なぜ風景の定型ファインアート写真なのか、という突っ込みが入るかもしれない。20世紀から現代までの写真の歴史を俯瞰するに、タイル、アイデア、コンセプト、テーマ性が提示されないが、似通った視点を持って撮影された自然や都市風景を対象とした作品群があり、カテゴライズされることなく、大きな鉱脈のように横たわっている事実に気付いたのがきっかけだ。それらの写真では、撮影者は無心の状態で自然や世界と対峙しており、心が動いた瞬間をとらえたビジュアルなのだ。例えると、瞑想しているときに目の前に立ち上がったシーンを、一瞬我に返って撮るような写真なのだ。心から邪念が消えると、普段は誰も気づかないシーンが目の前に立ちあがってくることがある。頭で考えるのではなく、心で「はっ、ドキッ」と感じる、カオス世界の中に調和して美しく整っている奇跡的な瞬間を発見して写真で表現している。

・撮影時の意識について
撮影時の前提となる写真家の意識は、いま存在している宇宙や自然界、また都市のストリートの混沌の中で、誰も気付かない、見たことがないような、心が揺さぶられる美しいシーンが発生しており、今この瞬間にも存在するはずという感覚があると想像している。参考になるのは、ネイチャー・ライティング系作家アニー・ディラードの「ティンカー・クリークのほとりで」（1974年刊）の世界観。”美しさと優雅さは私たちがそれらを感じるかどうかに関係なく出現している。我々ができるせめてものことは、その場所に行こうとすることです”という認識。
親和性があるキーワードは「禅/Zen」。自我が消えた精神状態で風景と対峙する。写真を撮ること自体が、「今という瞬間に生きる」という禅の奥義につながる。「瞑想や座禅のように、いまに生きる」手段の実践として、ここでの写真撮影がある。

・取り組み方法
定型ファインアート風景写真の取り組みは、自動で浮かんでくる様々な思考/雑念(記号消費などを含む)をスルーして、頭から消し去ることから始まる。それは今この瞬間に生きるという、瞑想やマインドフルネスの実践に近いともいえる。そして、よい写真、他人の評価などのエゴを捨てて、無心状態で世界と対峙して心で何かを感じた瞬間に写真を撮る。写真撮影を通して、自らを客観視して、自分らしさを取り戻し自由な人生を探求する行為になる。現代社会におけるこのような撮影行為の実践自体が定型ファインアート風景写真の作品コンセプトだといえるだろう。
また無心で撮影している風景写真作品は、社会生活の中で様々な思い込みにとらわれている人たちに提示される。見る側にも、自分を客観視して違う視点から見直すきっかけを提供する。

・2種類のタイプ
定型ファインアート風景写真は、撮影時に被写体に近寄ったものと、離れたものの２種類に分類できる。独断と偏見でセレクションした、それぞれに該当すると思われるフォトブックのリストも掲載しておく。このカテゴリーに含まれると思われる写真を撮影しているのは、ソール・ライター、ウィリアム・エグルストン、ルイジ・ギッリ、リチャード・ミズラック、テリ・ワイフェンバック、ヴィヴィアン・サッセン、ヴィム・ヴェンダース、ジョン・ポーソンなど。またスティーブン・ショアーやマイケル・ケンナの初期作、藤原新也、百瀬俊哉などの自然/都市の風景写真の中にも同じ視点の作品が発見できる。

A.  フラクタル的要素を持つシーンの発見(接写/近景)　
AIによると、“フラクタルとは自己相似性を持つ図形のことで、自然界に多く存在するものの一つ。フラクタルは、繰り返しの規則性を持ちながら、その形状が複雑であるため、美しいとされている。また自己相似性を持つため、どこから見ても同じような形状をしており、その形状が複雑であるため、美しいとされている”と説明されている。
年代を経て劣化/風化した建物の一部、壁面、ポスターなどの都市に存在するシーンのなかに、際立った色彩やグラフィカルな調和、侘び/寂び/渋みを発見して撮影。「やつれ」、「風化美」という、被写体の持つ古さや使用感、経年変化などの味わい深さを見出す。
通常よりも被写体に近寄って撮影されており、平面や人工物、空間、人物などの複数要素が重なって偶然に生まれるシーンだ。複雑性や規則性を持つフラクタル的な微妙な調和の美を、自然ではない人工的な要素を含むカオス化している都市風景のなかに見出す。

・“Places Aaron Siskind Photographs” Aaron Siskind, Light Gallery1976
・“Kodachrome” Luigi Ghirr,i Mack 2013
・“Waiting for Los Angeles” Anthony Hernandez, Nazraeli Press 2002
・“Tingaud Intérieurs” Jean-Marc Tingaud, Contrejour 1991
・“Pikin Slee” Viviane Sassen, Prestel 2014

B.   偶然から生まれたシーンにある必然的な美(中景/遠景)　

自然が彫刻的と呼べるような3次元の美を偶然に目の前の世界に作り出す。対象は自然や、人工的な都市や建造物、もしくはその組み合わせ。それに太陽光線、月の光、闇、霧、雨、雪、虹、雲などの天候や自然現象が関係して、3次元のシーンの中にフラクタルのような美を偶然的に作り出している。

・“Democratic Forest” William Eggleston, 1989
・“Written in the West” Wim Wenders, Schirmer Mosel 1987
・“Kodachromes” William Christenberry, Harry N.Abrams 2010
・“Topologies” Edgar Martin, Aperture 2008
・“HENRY WESSEL” Henry Wessel, Steidl 2007
・“Early Color” Saul Leiter, Steidl 2006
・“Hyper Ballad: Icelandic Suburban Landscape” Takashi Homma, Swaitch Pub. 1997
・“A Visual Inventory” John Pawson, Phaidon 2012

・注意点/撮影場所
一見すると、定型ファインアート風景写真に表層は似ているが、実は全く違う種類の写真も存在するので注意が必要だ。それらはグラフィックや色彩のデザイン的な視点で撮影されたもので、インテリアへの展示を目的とした写真となる。また20世紀写真では、モノクロや色彩で抽象化された世界に価値を見出していた。それらはグラフィック・デザイン感覚を生かして写真での抽象表現が目的化したスタイルなので勘違いしないようにしたい。また意識して何気ないシーンやありきたりの風景を撮影するのは、ミイラ取りがミイラになるので注意が必要だ。

撮影場所についても触れておこう。世界中を移動すれば確率的にそのようなシーンを発見する可能性は高まる。旅は非日常に身を置くことで、自らを日常のマンネリから脱して客観視するきっかけを無理やり提供してくれる。しかし世界に対して能動的に接すれば、身の回りにもそのようなシーンが存在している事実を発見できるだろう。

このような写真は過去に撮影したアーカイヴスの中から発見できるかもしれない。いったん撮影を小休止して、何も考えずに偶然に出会ったシーンを切り取った写真を探し、編集/セレクションを行ってみよう。全く違う時間、場所空間で撮った写真の中に精神性のつながりが見つかるかもしれない。違う視点で過去の写真を見直すと思いがけない新発見があるかもしれない。

・そしてファインアート作品への展開を目指す
私たちは、日常生活で様々な思考や思い込みにとらわれて生きている。ここでは写真を撮ることで自らを客観視しようという姿勢が重要になる。頭でっかちになり、作品制作自体が目的化してはいけないのだ。基本になるのは意識のコントロール。自然と浮かんでくる様々な思考/雑念への判断を避けてスルーする。そのような心がまえで世界と対峙したら、もしかしたら平面や空間に「はっ、ドキッ」とする瞬間が立ち上がり、定型ファインアート風景写真が生まれるかもしれない。

このようなアプローチで撮影された写真作品が蓄積されてくると、そこから、個性、強み、好きなこと、価値観などの本当の自分らしさが見えてくるかもしれない。次のステップとして、それを意識して情報収集/調査/整理を行い、自らの問いや課題(テーマ）を見つけるのだ。自分の中に気になるテーマや問いが立ち上がってきたら、それを意識して世界や宇宙に対峙して撮影を開始する。その繰り返しの先に、社会の見えない前提を問いかける作品が生まれるかもしれない。この段階で正当なファインアート写真の製作アプローチにつながってくる。定型ファインアート風景写真は、そのように創作が展開していくきっかけを提供してくれると考えてほしい。

余談だが、 「定型ファインアート風景写真 」は少しばかり固い呼び名だと思っている。趣旨を踏まえて「Zen Space Photography」はどうだろうかと思案中だ。
自分の写真のファインアート分野でのカテゴライズに悩んでいる人は、ぜひ自分の作品がここで紹介した定型写真の要件に当てはまらないか検証してみて欲しい。それは写真史との接点の検証になるのだ。

アメリカとイスラエルが2月28日、イランに対して大規模な戦闘作戦を実施した。このような現実社会が世界中で常時激動しており、未来予想が極めて困難な時代では、アーティストが多くの人が共感する作品提示は極めて難しいといえるだろう。また世の中の多様化、複雑化が進行する中で、作品のヒント発見までにも従来以上の長い暗黙知の養成期間が必要になる。創作を続けてもすぐに結果は出ないので、ブランド価値が未構築の学生、若手、新人がキャリアを継続するのは極めて困難な環境なのだ。またもともと私たちは社会生活を送る以上、様々な認知バイアスや社会/文化的刷り込みの影響を受け、思い込みにとらわれやすい。表現を行う人は自己が起点となって作品創作を始める場合が多い、どうしても思い込みがアイデンティティーと重なり強化されがちだ。特に経験や学習量が少ない人はその傾向が強くなる。そうなると非認知スキルを養成する重要性を感じなくなり、創作の自由度が失われてしまう。柔軟な思考ができる人は自らを客観視する術を持っている。しかし痛々しいのがエゴの押し付けのような創作に陥ってしまう人だ。そのような人は他人を自我の延長線上にしかとらえられない。ギャラリーやキュレーターが、作品の見立てやアドバイスを試みても聞く耳を持たないのだ。思い込みにとらわれている自分に気付かないので、永遠に成長ができない悲劇的な状況に陥ってしまう。

今回は、このような現代アート的創作に厳しい環境の中、アーティストの創作アプローチのひとつを提案する。まずは、自らが作品のアイデア、コンセプトやテーマ性を見つけるのではなく、既存作品のオマージュ、もしくは本歌取りを行う方法を提案したい。最初から好きで尊敬する写真家/アーティストのポートフォリオの持つ作品テーマやアイデアなどを意識、そのルールや見立てを意識して写真を撮る行為になる。

さてオマージュはフランス語の「hammage」が語源。英語では「homage」と表記。好きな写真家のスタイル/作品アイデアを取り入れる創作になる。芸術や文学において、尊敬する作家や作品に影響を受けて、似たような作品を創作する事を指す用語で、しばしば「リスペクト」（尊敬、敬意）と同義に用いられる。(参考 Wikipedia) 単純に元の作品をそのまま流用するのではなく、尊敬・賞賛の意味を込めて、独自の手法で表現される。オマージュやパロディは一つの芸術スタイルとして確立されているのだ。実際のところ、創作自体は過去の先人たちの作品の要素をベースとして、アーティストが新たな組み合わせの発見や、突然変異を起こして生まれるもの。もともと無意識の中で起こるオマージュ的な要素を持つのだ。また写真史やアート史とのつながりの提示は、過去の作品と現代の作品への影響を可視化するので、両者にオマージュ的要素の関係性を発見するのと同じような意味になる。

よく盗作と混同されるが、「パクリ」とは他の作品やアイデアを盗用し、利益のために自分の創作として提示する行為で、著作権の侵害となる。この判断は、主に第三者により行われるので、作家本人はオマージュのつもりでも、他人が見るとパクリだと受け取られてしまう可能性もある。

写真表現では、方法論やテーマ性など、様々なオマージュ作品がある。また日本には先行作品への敬意を前提にする古来の和歌の伝統技法である本歌取りがあり、これは西洋のオマージュに近いものといえる。杉本博司は写真技法を「本歌取り」のアプリーチを取り入れて、創作の幅を大きく広げている。最近では、松濤美術館で2023年秋に「杉本博司　本歌取り 東下り」が開催されている。

実際にどのような写真表現での可能性があるのだろうか。まず抽象表現主義の絵画に触発されて写真で作品制作を行ったアーロン・シスキン（1903-1991)をとり上げる。抽象表現主義は、1940年代後半に米国で起こった美術界のムーブメント。抽象表現を行った代表作家には、ジャクソン・ポロック、バーネット・ニューマン、マーク・ロスコ、ロバート・マザウェルなどがいる。シスキンは、テーマがないこと自体をテーマにしている写真家。写真で絵を描いたともいわれる。ストリートの壁面などを絶妙なフレーミングとクローズアップで抽象的に撮影。しかし当時の写真界では理解されず、抽象表現主義の画家が最初に評価した。シスキンの70年代の作品をまとめた写真集「Places」(Light Gallery1976年刊）には、作品タイトルがなく、撮影場所と撮影地の制作番号のみが記載。抽象表現主義絵画とシスキンの写真とは、カラーとモノクロとの違いがあるだけだ。絵画との比較参考例として、ロバート・マザウェル(Robert Motherwell, 1915 – 1991) の《Elegy to the Spanish Republic No. 110》(1971年)を挙げておく。

この流れで90年代からカラー写真で抽象的表現に挑戦してきたのがテリ・ワイフェンバックだ。彼女はもともと抽象画を描く画家だった。写真家に転向して、眩い太陽が照った野外での風景写真で画面上の複数のフォーカスを利用し、ボケを積極的に取り入れてカラーによる抽象的世界の表現に挑戦している。　

ドイツのベルント＆ヒラ・ベッヒャーは、グリッド状に提示されるタイポロジー(類型学)作品で、アートとしてのドキュメント写真の可能性を開拓。これは考古学や考現学などにおいて、物質をその特質・特性によって分類し、その結果を考察すること共通性や差異を明確にして、対象の理解を深める手法。「テーマ」よりも方法論（typology）へのオマージュ作品だといえるだろう。二人は59年から、給水塔、冷却塔、溶鉱炉、車庫、鉱山の発掘塔などドイツ近代産業の名残が残る、戦前の建築物をともに撮影し、「無名の彫刻」と命名。それらの写真を比較対照し機能種別に組み合わせたタイポロジー（類型学）的作品により、過去を内在した現在を指し示そうとしたのだ。

さらに、彼らのタイポロジー、ドキュメント、コンセプチュアル・アートの要素を併せ持った写真作品は、20年代ドイツで発生した徹底的な客観描写を掲げて絵画から写真を自由化した「新即物主義」のアルベルト・レンゲル・パッチュやアウグスト・ザンダーなどの延長上にあるオマージュ作品とも認識できるのだ。

シンディー・シャーマンの初期シリーズ「Untitled Film Stills」もオマージュ的作品。1950–60年代のB級映画スチル写真の手法を取り入れ、当時の偏見に満ちたステレオタイプの女性像を可視化している。またジェフ・ウォール、グレゴリー・クリュードソンなど写真で表現する現代アート系アーティストの作品も創作ヒントにオマージュ的要素が見られる。

しかし、オマージュ的作品への取り組みには、本当に自分が尊敬、敬愛するアーティスト/写真家との出会いが必要になる。そして作品文脈の的確な理解の上にオマージュ作品が生まれる土壌が作られる。そこに行きつくまでには、膨大な時間と、関連フォトブックなどの資料収集などの金銭的負担、美術館/ギャラリーでの実物の作品鑑賞などの実経験の積み重ねが求められる。現代アート系作品と同様に、タイパ、コスパはあまり良くない。特に学生や若手/新人にはかなり敷居が高いと思われる。そこで、次に比較的手軽に取り組みが可能な定型ファインアート写真の可能性を提案したい。
（ファインアート写真は何を表現するのか(３)に続く）