カテゴリー: ギャラリー&写真家情報

「ブリッツ・フォトブック・コレクション2026 Part-2」を開催

ブリッツは国内外の貴重な絶版写真集(レア・フォトブック)と複数アーティスとの珠玉の写真作品を紹介する「ブリッツ・フォトブック・コレクション2026 Part-2」を9月12日から開催する。7月中旬まで開催して好評だったパート１に引き続き、フォトブックと写真作品を大幅に入れ替えて行う。

パート２では、国内外の写真専門雑誌の特集を行う。「Aperture」、「American Photo」、「Zoom」、「Photographies Magazine」、「写楽」、「スタジオ・ボイス」、「デジャ＝ヴュ」、「シンク」や各種雑誌の写真特集号などの貴重なバックナンバーを紹介する。また写真展カタログのコーナーも設置し、おもに80～90年代に国内の美術館や商業施設で開催された写真展/展覧会のカタログを限定数紹介する。写真に特化した専門雑誌バックナンバーの展示は非常に珍しく、コレクターにとっては収蔵作品に関する貴重な資料が発見できる絶好の機会だ。またフォトブックと壁面展示の写真作品もパート１から大幅に入れ替える。

・パート２で紹介される写真作品/フォトブックの一部

アンセル・アダムス、ブルース・ウェバー、マイケル・ドウィック、テリー・オニール、ジャンルー・シーフ、メルヴィン・ソコルスキー、デボラ・ターバヴィル、カート・マーカス、パメラ・ハンソン、ライアン・マッキンレイ、アレック・ソス、アンドリュー・ベトルス、テリ・ワイフェンバック、ロン・ヴァン・ドンゲン、トミオ・セイケ、横須賀功光、鋤田正義、奈良原一高、ノブオ中村、丸山晋一、ヒロミックスなど、その他多数

ブリッツ・フォトブック・コレクション 2026　パート２
2026年9月12日(土)～ 10月18日(日)
1:00ＰＭ～6:00ＰＭ/週末の土日は通常営業
休廊 月/火曜、予約制　水/木/金曜

＊(ご注意)　水曜/木曜/金曜日は予約制営業。ご予約のお申込み用フォームは追って用意いたします。土、日曜は13時から18時まで通常営業。

鋤田正義「SUKITA : Fashion/Experiment」展

鋤田正義(1938-)の貴重な60～80年代のファッション写真を紹介する「SUKITA:Fashion/Experiment」展を11月中旬から開催する。鋤田はキャリアを回顧する写真集「SUKITA : ETERNITY」(2021年、ACC Art Books / 玄光社)の世界同時刊行以来、過去の膨大な作品アーカイブスの本格的な調査を行ってきた。本展はその成果を披露する写真展企画で、2025年秋にファッション写真を初めて本格的に紹介した「SUKITA:Photographs from Early Fashion to Rock Icons」展の続編になる。本展では、60～80年代前半ごろに制作された実験的なファッション写真約25点を展示する。鋤田のファッション写真は、日本人写真家で唯一ファインアート系だと市場で認知されている。本展ではその全貌が明らかになるだろう。多くは貴重な未発表作品となる。写真展の詳細はプレスリリースにて近日中に発表予定。

ブリッツでは様々なカテゴリーのフォトブックを紹介する「フォトブックコレクション2026」を開催している。しかし若い世代の人たちの来廊があまり多くない印象なのが気になる。どうも彼らのフォトブックに対する関心が下火になっているようだ。確かにいま新刊洋書フォトブックの販売価格が150ドルを超えるものも散見される。最近の円安と送料高騰の影響もあり、アマゾンでも2万～3万円する場合も珍しくない。絶版のフォトブックも相場はだいたい外貨建てなので、新刊同様に上昇している。特に送料は物価高と戦争の影響で高額になっており、欧米の専門店から航空便で取り寄せると送料だけでフォトブック本体よりも高い場合もあるくらいだ。
いま特にフォトブックを買わなくても、写真関連の情報はネット上に溢れている。またフォトブックはサイズが大きく重いのでのでコレクション数が増えてくると収納場所の確保が問題になる。スペース・パフォーマンスも極めて悪いのだ。財布にあまり余裕がない一般の写真好きレベルの消費者にはフォトブック購入は決してコストパフォーマンスが良くないのだ。

いまやフォトブックは、ファインアート写真での自己表現の可能性を考えている人、キュレーターやギャラリストを目指す人達向けの専門書になりつつあるようだ。写真表現の高みを目指す人たちには、フォトブックは最適の教科書になる。私が教えている大学院生向けのファインアート写真概論では、アーティスト志望の人にはまず最初に温故知新の重要性を強調する。それは過去の先人たちの作品を見て、考えて、内容を理解する行為になる。主に展覧会を見たりフォトブックから学ぶことになる。アマチュア写真家で満足している限り、自分の主観で撮影して楽しめばよいので先人から学ぶ必要はない。しかしアーティストやアートの目利きを目指すのならフォトブックとの意識的な対峙は、最優先で取り組むべき出発点/土台となる。これは単純な算数で説明できるのだが、あまり多くの人に理解されてないので念のために説明しておく。つまりアート/写真史の文脈で、オリジナルだと評価される創作は自分の内部の自我から生まれるのではない。それは過去の先人たちの仕事から新しいかけ合わせの発見や、突然変異を発生させて生成される。できるだけ多くの種類の創作を見て、自らが豊富なビジュアルやテーマ/コンセプトのデータベースに持っている方が数学的にかけ合わせのバリエーションが豊富で、新しい何かが生まれる可能性が高いのだ。見ている作品数が少なければ、単純に社会/文化的な刷り込みや認知バイアスが反映された限定的な創作にしかならないのだ。人間のこのような特性はよく心理学の認知バイアスであるダニング・クルーガー効果で説明されている。人はあるテーマについて知らなければ知らないほど、知識の総体も小さいと思い込む傾向があるということだ。

しかし、実際のところフォトブックは新刊/古書などを含めると膨大な数が世の中に存在し流通している。ファインアート分野での専門家を目指す人にとっても、どの本から始めたらよいかの選択は悩ましいと思う。この最初の段階はどうしても無駄が生じ、時間もかかる。まずは購入するフォトブックの絞り込みを行う。そのために出版社や専門販売サイトなどから定期的に送られてくるニュースメール、メールマガジンなどを参考にして情報収集すればよいだろう。それらには展覧会カタログも含まれるので美術館情報もカバーできる。

最初のステップのスクリーニング、つまり自分好みをふるいに変えて選ぶきっけは、やはり写真の表層の好みになるだろう。そして自分好みの写真を撮る人が見つかったら、ぜひもう一歩踏み込んで、作品の紹介文や写真家の発信しているメッセージを読んでみよう。いまは精度の高い翻訳ソフトがあるのですべて日本語で読めるので本当に便利な時代になった。そして、作品から写真家の何らかのメッセージを読み解くことができ、作品の背景にあるストーリーが浮かんでくるかどうか、そして自分がそれに何らかの意味を感じるかどうかを自問自答してみよう。写真家と自分とのコミュニケーションが生まれるかの検証になる。

もし写真スタイルが自分好みで、写真家のメッセージに共感するようなフォトブックとの出会いがあればぜひ本の現物を購入しよう。多少高額のフォトブックであっても自分がその内容に意味を見出せるのなら、決してお金の無駄遣いとは感じないはずだ。知的好奇心が刺激され、どうしても欲しいという気持ちが湧いてくるかが目安になる。入り口が見つかったら、次に過去に出版された同じ人のフォトブックの記録も要確認だ。そしてその写真家が写真史上で誰に影響を受けたか、また誰に影響を与えたかを調べて、それらもチェックするのだ。１冊のフォトブックからいろいろな関連が見えてくると、興味がさらに展開していくだろう。もし関心があまり広がらない場合は、探求をやめて次の１冊との出会いを求めるようにすればよい。
実はこのような一連の行為は写真を通して行う自分探しとも重なるのだ。実際のところ、何を撮ったらよいかわからない人は、流された人生を送っており、自分自身がどのような人間なのか理解/把握していない場合が多い。

私自身は、モノクロでお洒落な戦後のファッション写真が入り口だった。写真家だとリチャード・アヴェドン、アーヴィング・ペン、リリアン・バスマンなど。単純にミーハーだったのだ。そして、彼らに影響を与えた伝説のロシア出身のアーティスト、アート・ディレクターのアレクセイ・ブロドビッチの存在が重要だった。彼はハ―パースバザーを手掛けるとともに、Design Laboratoryという写真教室も主宰していた。ちょうど90年代前半にはデザイナーのファビアン・バロンが雑誌ハーパースバザー米国版の刷新を行っており、彼が影響を受けたブロドビッチが再評価された時期だった。実は日本でも雑誌「Dune」(Art Days)のいまは亡きエディター林文浩も彼らの影響を受けていた、余白のあるデザインを熱く語っていたのを懐かしく思い出す。そしてブロドビッチは、マン・レイ、アンドレ・ケルテス、ロバート・フランク、アンリ・カルチェ＝ブレッソン、ダイアン・アーバスなどにも影響を与えていた事実を知り、私のその他写真家への興味が大きく広がっていった。ブロドビッチを起点に20世紀の写真史を俯瞰できたのだ。画像はブロドビッチの1945年のフォトブック「Ballet」。当時の常識に反して、アレ・ブレ・ボケでダンサーの動きを表現した革新的な本。

このように自分が内容に意味を見出せる好みのフォトブックが増え、実際の世界での経験が蓄積されると、自然と写真に対する感性、直感などが養成されてくる。それらは持って生まれたものではなく、スキルアップ可能な能力なのだ。いまよく言われる、AIに勝つために求められる非認知スキル。そのなかの創造性の中の暗黙知のことだ。今までは読み取れなかった、展覧会やフォトブックが内包する複雑なメッセージの意味も、突然にまるで天から降ってきたようにすとんと理解できようになる。自分の写真リテラシー向上の実感は大きな快感だ。そして、これこそが自ら作品制作するときに、テーマやコンセプトに展開する可能性に気付く直観力、つまりひらめき力の養成につながる。ちなみにこのような自分のレベルアップを感じるのには、継続した努力が約10年程度はかかる、ライフワークだと考えて取り組むとようにと、学生向けの講義では解説している。タイパは非常に悪いが、他には優れた創作にたどり着く方法がないのだ。逆に言うと、このような時代だからこそ、結果がすぐに出ない努力を10年以上も継続する人は少ないと思われる。もし継続できればライバルはかなり少ないのではないだろうか。それが地道な努力を継続する人への唯一の慰めになるだろう。

有名ファインアート系写真家のオフィス写真を見ると、だいたい膨大な数のフォトブックが並んだ本棚がスペースを占領している。彼らは単にフォトブックを集めているのではない、それらはイメージとテーマ・コンセプトのヒント/手がかりが詰まった外部記憶装置で、創作の源泉になっているのだ。本棚にフォトブックが増えるに従い写真がうまくなる、という都市伝説は決して的外れではないのだ。アマチュア写真家でも、あまり費用対効果を考えすぎないで、写真センス向上のためだと思ってフォトブックに向き合ってほしい。興味ある人はぜひギャラリーに遊びに来てください！

ブリッツは、５月の連休明けに定期的に行っている、コレクター人気の高い、貴重な写真集を紹介する国内外の貴重な絶版写真集(レア・フォトブック)、限定写真集、サイン本、プリント付き特装版を紹介する、「ブリッツ・フォトブック・コレクション2026」を開催中。

フォトブックを中心に紹介する企画の原点になるのが、いまはなき渋谷のパルコパート1地下1階のロゴスギャラリーで2004年から2010年までに7回開催した「フォトブック・コレクション」展となる。同ギャラリーは洋書販売の洋書ロゴスの横にあるパルコ主催のイベントスペースだった。同企画は書店での新刊とレアブックの相乗効果を狙ったものだった。

2000年代の日本は、洋書写真集のコレクションがミニ・ブームだった。このブームのきっかけはネット普及によりアマゾンで洋書がかなり割安で購入できるようになったからだと分析している。90年代、洋書店で売られていた写真集は高額の高級品だった。よく雑誌のインテリア特集のページ内でお洒落な小物として使用されていた。アマゾンの登場は衝撃だった。とにかく重い写真集が送料込みで、ほぼ現地価格で入手可能になったのだ。当初は一部の目ざといマニアや専門家が欧米のアマゾンで購入していた。2000年11月に日本語サイト“amazon.co.jp”が登場して日本の一般客も今まで高価だった洋書写真集がほぼ現地価格で購入可能になるのだ。このブームは、高価で高級品だった洋書写真集が信じられないような低価格で買えるようになったから起きたのだ。そして、洋書写真集ブームがきっかけになり、同時に絶版写真集も注目されるようになった。

コレクター拡大きっかけは、1999年以降に歴史的な写真集を紹介するガイドブックの相次いでの発売も影響している。それまでは、写真集の出版歴、流通の情報がなく、評価基準となるフォトブック史が存在しなかった。
“The Book of 101 Books: Andrew Roth, PPP Editions, 2001”と“The Photobook: A History –Volume 1-3 by Martin Parr, Gerry Badger, 2004、2006、2014”がフォトブックのガイド本の代表になる。これらのガイド本自体がいま絶版になりレアブック化している。

時間経過とともに、人々が今までに持っていた高額だった洋書写真集の価格基準が、次第に下がってくる。洋書価格が安く買えるという驚きがさめ、その価格の認識が一般化し始めるのだ。そのようなときに2008年のリーマンショックが起きた。アート系商品は、心は豊かにするが、お腹を満たしてくれない不要不急の際たる商品だ。それ以降は、本当にファインアート写真が趣味の人が興味を持つ写真家の本を購入するという従来のパターンに戻っていく。

2010年代には、アベノミクスによる円安で輸入価格が上昇して、景気の長期低迷とともに市場規模は縮小均衡してしまった。レアブックの方は、フォトブックのインターネットでの情報が一般普及するようになる。大手のアマゾンやヤフオクでもレアブックや絶版写真集を取り扱うようになる。レアなフォトブック販売価格の相場は、だれでもネット検索で調べられるようになる。価格情報が民主化したことで、レアブック売買での利益率が下がり世界的に取り扱い業者数が減少していくのだ。この辺の経緯は「ファインアート写真の見方」(玄光社2021年刊)に詳しく書いたので、興味ある人は読んで欲しい。

ところで昨今の外国為替相場での円安/ドル高の進行は、フォトブックコレクターにとって本当に悩ましい状況だ。
約10年前と比べると、アマゾンでの販売価格の上昇は目を見張るものがある。だいたい10年間に渡り継続して販売されるフォトブックはかなり限られる。いまでも人気の高く販売されている“”Stephen Shore: Uncommon Places: The Complete Works”が好例になるので紹介しておく。なんと2016年は5,042円、2017年には6,631円、そして2026年のいま11,080円なのだ。もちろん価格上昇は為替だけでなく、物流コストの影響もあると思われる。しかし、10年で円貨での販売価格が2倍以上になっているのは驚くべき事実だ。特に新刊になると、本のサイズが大きくなり生産コストも上昇している。ブルース・ウェバーの最新刊「Bruce Weber. My Education」は150ドルもして、送料込みのアマゾンの販売価格は24,101円。決して気軽に買える値段ではなくなってしまった。とても残念なのだが、洋書のフォトブックは30年前と同じく高額な高級品に戻ってしまったのだ。

ブリッツは90年代から2,000年代までは、写真作品とともにレアブックを常時取り扱ってきた。しかし、その後は数年に1回程度、写真作品とともにレアなフォトブックを展示するイベントを開催するようになる。さて2年ぶりの開催となる今回の企画では、特定の写真モチーフのテーマを設けずに、ファッション、ポートレート、ドキュメンタリ、ヌード、風景、ネイチャーなど幅広い分野のフォトブックを紹介する。また、壁面ではギャラリーが取り扱う写真家/アーティストの写真作品を紹介するとともに、コレクションしている貴重な写真作品も同時展示する。海外で行われるフォトグラフス・オークションのプレビュー会場を意識した展示構成になっている。

フォトブックは、初心者にとってコレクションが比較的低予算で始められる魅力的分野といえる。かつてのように写真を掲載した本だと認識すると最近のフォトブックは非常に高価格になっている。しかし視点を変えて、さらに高騰しているファインアート写真作品の一部の、いわゆるマルチプルなのだと考えると、一転して極めてリーズナブルな価格だと感じられるのではないだろうか。
ギャラリーがお薦めするのは、小振りのプリントが付いた特装版のフォトブック。エディション数が多く設定されているので、通常のファインアート写真のプリントと比べてはるかにリーズナブルな価格設定になっている。今回の展示でも、多くの種類のプリント付き特装版を用意している。

ファインアート写真コレクションに興味ある人は、まずフォトブックの収集を検討してはどうだろうか。多くのカテゴリーのフォトブックを比較検討できる本展が、そのきっかけになれば幸いです。

(ご注意) 本展会期中は水、木曜は予約制の営業になります。ご注意ください。

・写真作品/フォトブックが紹介される予定の写真家の一部

ブルース・ウェバー、デヴィッド・ベイリー、スティーブン・ショアー、マイケル・ドウィック、テリー・オニール、ノーマン・パーキンソン、ホルスト、ジャンルー・シーフ、アーヴィング・ペン、ウィリアム・エグルストン、アンドレ・ケルテス、メルヴィン・ソコルスキー、ジャック・ピアソン、ライアン・マッキンレイ、アレック・ソス、リリアン・バスマン、テリー・リチャードソン、テリ・ワイフェンバック、川田喜久治、横須賀功光、鋤田正義、篠山紀信、倉田精二、奈良原一高、ノブオ中村、丸山晋一、ハービー山口、ヒロミックスなど、その他多数

以上

ブリッツ・フォトブック・コレクション 2026
2026年5月15日(金)～ 7月12日(日)
1:00ＰＭ～6:00ＰＭ
休廊　月曜火曜、
予約制　水曜木曜
入場無料　ブリッツ・ギャラリー

ブリッツ・ギャラリーでは、鋤田正義の初期ファッション作品と有名ミュージシャンのポートレートを紹介する「SUKITA : Photographs from Early Fashion to Rock Icons」展を開催中。本展で展示されているのは、ファインアートに成りうるファッション写真。現在主流の洋服の情報を提供する目的で制作される、美しいだけのイメージとは異なる。写真家が自らの身体で感じ取った撮影時の世の中の無意識、つまり当時の時代の気分や雰囲気、都市の空気などが反映された写真なのだ。それらには写真家がその時、その場所で受けた感動が詰まっており、そのメッセージを通して見る側とのコミュニケーションが発生する可能性がある。その先に、もし写真からストーリーが立ち上がってくれば、見る側にとって意味ある写真作品となる。ファインアート写真としてのコレクションの対象に成りうるのだ。

鋤田は70年代初めから若者文化の最前線の地にあこがれて、ロンドンやニューヨークに旅立っている。60～70年代といえば反抗と自由、そして退廃と解放の緊張が世の中に横たわる時代だった。特に当時のロンドンは活気に満ちていた。50～60年代の新しい若者文化が開花した、スウィンギング・ロンドン直後の熱量がまだ溢れていた時代だった。またエキゾティシズムがもてはやされており、歌舞伎の上演などもあり、ジャポニスムが再注目されていた。

今回の展示作品は、そのような当時の世相が見事に反映されている。モデルの山口小夜子が山本寛斎デザインの洋服を着た作品3点展示されているが、それらはエキゾティシズムが反映されたファッション写真の典型例だろう。日本人モデルの起用により当時の身体感覚が強く作品に表現されている点にも注目したい。「Motion Blur series」では、眩い色彩とモデルの動きで当時のサイケデリック・ムーブメントの世相を見事に取り入れている。
そして鋤田は、ミュージシャンも時代の気分づくりに欠かせない象徴的な存在だととらえていた。彼にとっては、特にボウイのポートレートは、時代性が反映された広義のファッション写真なのだと理解したい。

なぜ鋤田のファッション写真が私たちの目に魅力的に映るのだろうか？
いまはAIがどんな画像も生成してくれる。たとえば。60年代風、70年代風のファッション写真も簡単に生成される。しかし、それらは各時代の平均的な面白みのない画像でしかない。AIは写真家が感じ取った時代性を写真に反映させ、再現はできない。だから私たちは実際にその時代に生きた写真家の生の写真に魅了されるのだろう。それらには、各時代の人々の持つ、身体感覚、価値観、社会的緊張、欲望、あこがれや夢が反映されている。鋤田は実際にその時代に生きていたが、AIは生きていない、また肉体を持たないAIは身体性も表現できない。いまアート界は生成的・ネットワーク的世界観を持つ作品が趨勢を強めている。このような時代だからこそ、AIには代替できない、時代の気分が濃厚に刻まれたファッション/ポートレート写真、そのなかでも特に手作業で個別に制作された銀塩写真はますますコレクターに求められるようになると考えている。ちなみに、どの時代のファッション写真の市場での人気が一番高くなるかをAIに質問したところ、「1960〜70年代」と「1990年代」とのことだった。都市の空気が写真に一番刻まれていて、社会の変化とファッションが密接に連動していたからという、珍しくあまり違和感のない回答だった。

鋤田はいま過去のファッション写真のアーカイヴを本格的に見直している。今回セレクションされた作品はほとんどがスタジオでの撮影だった。私が興味あるのは、スタジオから飛び出してストリートで撮影された鋤田のファッション写真の発見だ。彼は当時英国のファッション写真にストリートやドキュメントの撮影を導入して新風を巻き起こした、デヴィッド・ベイリーやダフィーの作品を見ているはずだ。間違いなく、自らのファッション写真で当時最新のアプローチを取り入れていたと思う。彼がボウイを京都で撮影した1980年の一連の写真は極めて有名だ。これらこそがまさに背景の時代性を取り込んだストリート系のファッション写真だといえるだろう。今後のアーカイヴ調査の進展に期待したい。
Photographs ©SUKITA

（お知らせ）
好評につき写真展の会期が2月22日(日)まで延長されました！
2月11日の祝日も通常営業します。
ぜひ鋤田の濃厚な時代性を感じるファッション作品をご高覧ください。

“SUKITA : Photographs from Early Fashion to Rock Icons”
2026年2月22日 (日)まで
水曜～日曜、 1:00  PM～ 6:00  PM
月曜火曜は休廊、 入場無料
ブリッツ・ギャラリー

ブリッツ・ギャラリーは、鋤田正義の初期ファッション作品とミュージシャンのポートレートを紹介する「SUKITA : Photographs from Early Fashion to Rock Icons」展を開催中。

本展の見どころで注目して欲しいのは、鋤田のファッション写真が、モデルのスタイリング、ディレクション、ヘアメイクだけでなく、写真のライティング、構図、色合い、デザインなど、ほとんど彼自身の意図とディレクションにより行われていること。そしてその結果生まれた写真を特徴づけているのが、現実離れして、奇抜な、極めてシュールな雰囲気に仕上がった独創的なビジュアルなのだ。
一般的な日本のファッション写真は、商品である洋服の情報提供を目的として制作される。そして洋服デザイナー、アート・ディレクター、編集者の指示で撮影されるのが一般的になっている。業界で優秀だといわれる写真家は、それらの関係者の意向を的確に忖度したビジュアルづくりがうまい人なのだ。残念ながら写真家はカメラ・オペレーターで、そこにはクリエイティブな要素は全くない。当然、それらの写真に表現上の面白さは全くないのだ。

しかし鋤田のファッション写真の場合、彼は洋服自体をメインに撮影していない。たぶん彼は当時の活気ある気分や雰囲気は、シュールで自由なスタイリングや色彩を通して表現できると感じ、それを写真を通して伝えようとしたのだろう。ファッション写真を通して写真家がパーソナルに感じた時代性を表現しようとしたわけで、まさに欧米のファインアートに成りうるファッション写真と同じ構図で制作されているのだ。写真に撮影者の感動が落とし込まれているから、同じような時代感覚を持つ人たちとのコミュニケーションが起き、彼らを魅了するのだ。

そしてその鋤田の感性はまさにデヴィッド・ボウイの持っていた”現状維持バイアスにとらわれないためにシュールな感性を愛でる”という世界観と重なるのだ。70年代前半の英国では、歌舞伎の上演や浮世絵の展示があり、西洋と全く異質な日本文化の存在が紹介されていた。ボウイは間違いなく、それらを奇抜でシュール存在に感じたと思われる。その影響は、その後のステージ衣装、メイク、スタイリング、パフォーマンスに反映されていく。特に山本寛斎が1973年に制作した舞台衣装「Tokyo Pop」は、幾何学的ラインと鮮烈な色彩を持ち、歌舞伎衣装の大胆さや誇張されたシルエットが反映されている。そのような問題意識を持ったボウイの前にまだ30歳代の若い無名の日本人写真家鋤田が現れたのだ。彼は自分が求めていた日本文化のエッセンスを鋤田の写真の中に見出したのだと思われる。二人の出会いは本当に絶妙なタイミングに起きたといえるだろう。
今回展示している一連の鋤田の初期ファッション写真を見るに、その一部だけを見て鋤田のオリジナリティーを見抜いたボウイの目利きは本当に凄いと思う。その後、約40年にわたって続く二人の信頼関係の原点のファッション写真の紹介が、本展開催の趣旨であり、一番の見どころなのだ。

作品展示に際して、当時の情報を鋤田本人に確認してみた。しかしかなり昔の撮影だったので本人の記憶はあまりはっきりしていなかった。想像するに、これだけ自由に撮影できたのは、多くがファッション雑誌等のエディトリアル・ページに掲載された作品だったからだと思われる。
“1981-ryuko-09”は、雑誌の流行通信に掲載された作品とのこと。同誌はデザイナー森英恵のPR誌からスタートした歴史あるファッション誌。当時の流行通信は、撮影時に写真家にかなり自由裁量を与えていたと思われる。あの横尾忠則がアート・ディレクターだったり、なんと横尾本人、藤原信也、浅井慎平もファッション写真を撮影しているのだ。

鋤田はミュージシャン坂本龍一の1981年のアルバム“左うでの夢”のジャケット写真を手掛けている。本展の展示作品 “1981-ryuko-09”も顔と左腕が白く塗られており、たぶん坂本作品のオマージュではないかと思われる。
また、案内状にも使用した、カラフルでアシッド感あふれる動きのある“Motion Blur series“はカメラ毎日に掲載された記録があるそうだ。あるコレクターから、雑誌プレイボーイに掲載されたのを見た記憶があると指摘があった。カメラ雑誌に撮りおろしはあまりないので、その可能性はあるようだ。

また当時の元祖日本人スーパーモデル山口小夜子が被写体の作品も3点展示されている。このファッションは山本寛斎デザインとのこと。またこちらは別のコレクターから資生堂の広報誌「花椿」に掲載された作品ではないかとの指摘があった。これらの情報の真偽は鋤田本人に確認中だ。もし当時の資料を持っている人がいたらぜひ提供して欲しい。ギャラリーとしても、作品展示をきっかけとして初期ファッション写真の撮影に関わる情報アーカイブを充実させたいと考えている。

鋤田作品の魅力は、写真と対峙することで見る側に様々なストーリーや想像が生まれること。それらの物語を通して、ファッション写真に意味が紡ぎだされるからこそ、多くのコレクターを魅了し続けるのだと思う。年内の展示は12月21日(日)まで、ぜひご覧ください！

“SUKITA : Photographs from Early Fashion to Rock Icons”
2025年10月29日 (水)～2026年2月15日 (日)
水曜～日曜、 1:00  PM～ 6:00  PM
月曜火曜は休廊、
年末年始休廊：12月24日～1月9日、
＊年内の最終営業日は12月21日（日）となります。
入場無料
ブリッツ・ギャラリー

・テリ・ワイフェンバック(Terri Weifenbach)
　パリで美術館展開催

テリ・ワイフェンバッハの展覧会「Jardins parisiens(パリの庭園)」がパリのユージェーヌ・ドラクロワ国立美術館で開催中です。同館は、19世紀フランスのロマン主義を代表する画家ユージェン・ドラクロワが1857年から1863年までアトリエ兼自宅にしていた邸宅が美術館として公開されています。今回の企画は、『シティ・ブック パリ』のためにルイ・ヴィトンが制作しています。
同展では、ワイフェンバックの眩いカラー写真シリーズを展示。彼女の写真は、フランスの首都を象徴する緑の空間の美しさと静けさを、詩的で親密な視点で捉えており、観る者を都市中心部への視覚的な散歩へと誘っています。また同館には来館者が写真の鑑賞体験後に散策できる庭園があり、まさに最適の展示会場だといえるでしょう。
この展覧会は、画家ドラクロワの作品と対話する現代作家に焦点を当てる、同館の「Regards Croisés(交差する視線)」プロジェクトの一環として開催されています。

「画家と庭園の間には、人間の痕跡、野生の花や雑種の花、都市の庭園に適応した鳥など、さまざまな側面を持つ風景があります。定義と構成としての色。ラインとボケを提案します。セシリー・ブラウン、ドラクロワのエネルギー、ある特定のヴュイヤールの色、テオドール・ルソーの自然なパレット、ジョアン・ミッチェルの抽象画を思い浮かべています。私はこの宇宙にいて、庭で写真を撮りながら、3次元を2次元に変換する方法を考えています。私は自分のニーズに基づいて、自分が感じたことを記録します。絶え間なく続くものとともに存在する、儚さについて思いを馳せています。」
テリ・ワイフェンバック

「Terri Weifenbach : Jardins parisiens」
　ウジェーヌ・ドラクロワ国立美術館(Musée National Eugène Delacroix）
　会期：2025年11月6日～2026年1月4日

・ダフィ ー(Duffy)
　デヴィッド・ボウイ「アラジン・セイン」ジャケット写真が高額落札！

1973年リリースのデヴィッド・ボウイの「アラジン・セイン」のアルバム・ジャケット写真は「ポップのモナリザ」として知られる、英国人写真家ブライアン・ダフィー(1933–2010)撮影の超有名作品です。11月5日にロンドンのボナムズ(Bonhams)で開催された「Mona Lisa of Pop Property From The Duffy Archive」オンライン・オークションで、本作のヴィンテージ・ダイ・トランスファーによるオリジナル作品が381,400ポンド（497,088ドル）で落札されました。1ポンド201円で換算すると約7666万円です。

本作のボウイのメイクはピエール・ラ・ロシェ(Pierre La Roche)が担当、ダフィーがHasselblad 500C 6X6  カメラで撮影したオリジナルのカラースライド(color transparency)に、フィリップ・キャッスル(Philip Castle)がエアブラシで加工したもの。キャッスルはボウイの肩に「Water mark」を描き、さらにダフィーの指示のもと、ボウイの胴体の上の白い部分を強調し、まつげを長くしています。作品サイズは32X40cm、ダフィーのサインと日付が書かれています。

この落札価格は、アルバムカバーとして、また写真家ブライアン・ダフィーにとっても、オークション新記録となりました。これまでのアルバムカバーの最高額は、レッド・ツェッペリンの同名デビューアルバム(1969年)のジャケットを飾った英国人デザイナーのジョージ・ハーディー(George Hardie)による1937年のヒンデンブルク号事故を題材としたアートワーク。2020年にクリスティーズで32.5万ドル（約3億5000万円）で落札されています。

また同オークションには、アラジン・セインのオリジナルコンタクトシート 2 枚も19,200 ポンド（25,040 ドル/約385万円）で、撮影時にボウイが座ったスツール(丸椅子 )が2,816ポンド(3,680ドル/約56.6万円)で落札されています。

・スティーブ・シャピロ (Steve Schapiro)
　ドキュメンタリー映画「Being Everywhere」が公開

スティーブ・シャピロ（Steve Schapiro, 1934 – 2022)の新作ドキュメンタリー映画「Being Everywhere」が今秋に米国で公開されます。シャピロは、1934年ニューヨーク市ブルックリン生まれ。アンリ・カルティエ＝ブレッソンに憧れて写真家を志し、ウィリアム・ユージン・スミスから写真技術や取り組み姿勢を学びます。1961年にフリーランスの写真家として活動を開始。1960年代の激動するアメリカの政治、文化、社会のドキュメントに取り組みます。また、ロバート・F・ケネディの大統領選挙キャンペーンに同行し、公民権運動の重要な瞬間を撮影。彼の写真は、「LIFE」、「Vanity Fair」、「Sports Illustrated」、「Newsweek」、「TIME」、「Paris Match」などの雑誌に掲載されています。

1974年、シャピロはロサンゼルスでデヴィッド・ボウイと濃厚なフォトセッションを敢行。二人のコラボレーションの成果は、アルバム「Station to Station(1976年)」、「Low(1977年)」、「Nothing has changed(2014年)」のジャケットや、雑誌「People」、「Rolling Stone」のカバーに生かされています。有名人ポートレートや映画関連の写真でも知られおり、特にフランシス・フォード・コッポラ監督の「The Godfather(1972年)」や、マーティン・スコセッシ監督の「Taxi Driver(1976年)」のスチール写真が有名です。シャピロの写真は、パーソナルな視点でアメリカ現代史の重要な瞬間をドキュメントしていると高く評価されています。

この映画は脚本家兼映画監督モーラ・スミス(Maura Smith)が手がけており、シャピロの数えきれないほどの写真作品を通してその生涯を解き明かしています。故シャピロは映画の中で自身の作品アーカイブに囲まれながら、「どんな被写体でも挙げてくれれば、おそらく私はその人を撮影しただろう」と語っています。

映画のニューヨーク市プレミアは11月14日、その後はシカゴ、ロスアンゼルスで上映される予定です。なおニューヨーク・タイムズ紙がこの冬見るべき65本の映画の一つとして本作品をセレクト。ドキュメンタリー作品の数少ない選出作品です。日本での公開は未定です。

ブリッツ・ギャラリーでは、2023年10月に『SUKITA X SCHAPIRO PHOTOGRAPHS』(鋤田 正義 / スティーブ・シャピロ 写真展)を開催しています。

ブリッツ・ギャラリーは、鋤田正義(1938-)の初期ファッション作品とロック・ミュージシャンのポートレートを紹介する「SUKITA : Photographs from Early Fashion to Rock Icons」展を10月29日から開催する。展示作品の多くの未発表作となる。

鋤田は、福岡県直方市生まれ。日本写真映像専門学校卒業後、棚橋紫水に師事。大広、デルタモンドを経て、1970年からフリーとなる。70年代のはじめに時代の最先端の若者文化や音楽に惹かれニューヨークやロンドンに撮影に出かける。1972年夏、ロンドンでT・レックスのマーク・ボランやデヴィッド・ボウイと出会い、彼らを撮影。その後、多くのミュージシャンを世界中で撮り続ける。彼は被写体となったそロック・アイコンたちや、彼らの楽曲とともに、活気ある20世紀の時代の気分と雰囲気づくりにビジュアル面から関わってきた。いまでは彼のポートレート写真のアート性は特に海外で高く評価されており、2021年には彼のキャリアを回顧するフォトブック「SUKITA : ETERNITY」(ACC Art Books / 玄光社 ) が世界同時出版。また2010年代からは欧米各国で数多くの美術館展が開催されており、2025年にはスペイン・バルセロナのFotoNostrum で「Bowie X Sukita」展が開催されている。

しかし、ロック・アイコンたちのポートレートは鋤田の膨大な作品群の一部にしか過ぎない。彼はキャリアを通して、ファッション、広告、映画関係に取り組む一方で、ドキュメント、ストリート、風景、静物など様々なタイプのパーソナル・ワークにも取り組んできた。戦後の50～60年代の初期作品では、戦後混乱期の地元福岡のストリート・シーンや長崎の原爆被爆者、原子力空母入港反対デモなどの社会問題をパーソナルな視点でモノクロ写真でドキュメントしている。それらには「プロヴォ―ク」の写真家たちと同様の戦後日本の政治、社会、文化の混乱へのアンビバレントな感情が見られる。

一方で60～80年代の初期ファッション写真では、広告の枠にとらわれない自由な発想の作品を制作。特に1969年のメンズ・ブランド「JAZZ」のファッション写真はよく知られている。これは、彼がシュールレアリスム画家ルネ・マグリットの絵画作品に触発されて制作した作品。当時の日本は女性ファッションが花盛り、メンズは超マイナー分野だった。逆にそれが鋤田に幸いして、表現に数多くの制限があるファッション写真で写真家に多くの自由裁量が与えられたのだ。つまりそれらはファッションの仕事の写真なのだが、鋤田の自己表現の作品でもあるのだ。それらのシュールなビジュアルは70年代初めにデヴィッド・ボウイを魅了し、二人の40年にも及び信頼関係を構築した原点となる。そして後にアルバム「Heroes」のジャケット写真につながっていく。本展では初期作品の中から、この鋤田のあまり知られていない未発表を含むシュールでカラフルなファッション写真を紹介する。70年代、海外で“東洋の神秘”と称賛されるなど注目されたスーパーモデルの山口小夜子のイメージも含まれる。

また本展では、鋤田作品の代名詞となるデヴィッド・ボウイ、マーク・ボランら20世紀のロック・アイコンたちのポートレートを展示する。ギャラリーとしては、それらもミュージシャンの表情とファッションで当時の時代性が反映された、広義のファッション写真だと考えている。デヴィッド・ボウイの2点は、ギャラリーでの未取り扱い作品で、今回初めてエディション付きファインアート作品として販売される。モノクロ作品は、最近発売されたボウイの2002年から2016年の歩みをまとめあげた豪華13枚組CDボックス・セット『I Can’t Give Everything Away (2002-2016)』のジャケット写真に採用された2002年撮影の渋いイメージ。もう1点は1973年撮影の”ジギー・スターダスト”ライブの眩いカラー作品となる。ちなみに、海外では愛する人へのクリスマスプレゼントに写真作品を送るという素晴らしい習慣があるという。鋤田作品はボウイ好きの人への贈り物に選ばれることもよくあるらしい。毎年、秋ごろになると海外から鋤田事務所に問い合わせがあるという。今年は今回の写真展開催があるので、久しぶりにボウイ作品の新作が発表されたということだ。モノクロの方はCDジャケットのカヴァーだけにコレクター人気が盛り上がりそうだ。

本展の展示作品数は、ファッションとロック・アイコンズを合わせて約30点を予定。また、鋤田作品を使った鋤田アーカイブス公認のオフィシャルグッズ（Tシャツ・トートバッグ）の販売も行う予定。こちらは東京では初お目見えとなる。先般の博多展では、グッズは大人気で一部商品は完売して追加制作したという。ただし、今回の写真展の限定品のグッズではありません、ご注意ください。

鋤田はキャリアを回顧する写真集「SUKITA : ETERNITY」(2021年)の刊行以来、膨大な作品アーカイブスの本格的な調査を開始している。今回の初期ファッション写真の展示はアーカイブスの調査結果を紹介する写真展の一環になり、2021年開催の「SUKITA : Rare & Unseen」展に続く第2弾となる。調査作業は現在も進行中で、鋤田事務所によると、ファッション系は忘れ去られていた未発表イメージがかなり残っているという。嬉しいことに今年で87歳の鋤田巨匠はファッション関連アーカイブスの調査に積極的だという。今後、未発表のファッション写真展パート2も開催されると思う。どうか楽しみにしていてほしい！

“SUKITA : Photographs from Early Fashion to Rock Icons”
2025年10月29日 (水)～2026年2月15日 (日)
水曜～日曜、 : １ PM～ : 6 PM
月曜火曜は休廊、年末年始休廊：12月24日～1月9日、 入場無料
ブリッツ・ギャラリー

福岡県直方市出身の写真家・鋤田正義の写真展 ”Rock Faces by Sukita” (Sukita’s Works + Collections)が9月12日（金）より博多のギャラリー OVERGROUNDにてスタートした。
鋤田は長年にわたり東京世田谷の経堂に事務所を構えていたが、最近になって活動拠点を故郷福岡へ移している。本展は地元の人たちへ「ただいま」のメッセージとともに、これからは福岡から世界へ情報発信を行う意思/覚悟を広くアナウンスする目的の写真展になる。
アートファンだけでなく、地元のロックファンの来館を見込んでいるようで、鋤田の写真家のキャリアから、デヴィッド・ボウイ、イギー・ポップ、T. Rex、YMO、シーナ＆ロケッツなど、特にロック系ポートレートの代表作を中心に紹介する展示となる。展覧会ポスターに使用されたメインビジュアルは福岡出身アーティストシーナ＆ロケッツの名作「Main Songs, (Album Cover), 1985, Tokyo」だ。

地元と音楽関係イベントに合わせて行われる短期間のギャラリー展で、展示作品は過去のイベントで展示された額付きプリントからセレクションされていると思われる。一部はシート作品が壁面にカジュアルに直接に貼られている。展示会場は、ニューヨークのソーホーにあるような、古き良き時代の「寂び」の趣を感じるような展示スペースで、過去に製作されたややユーズド感のあるプリントや額との相性がとても良いと感じた。日本伝統工芸のエッセンスが散りばめられた、主催者のセンスが光る見事な会場設営/プロデュースだと思う。

また本展では、鋤田が個人的に所有している写真プリント・コレクションを初展示している。お互いにリスペクトし合う関係性を持つ海外の写真家同志は、自らの写真を交換し合うという習慣がある。実は鋤田も多くの海外写真家と交流があり、エディションが付かないアーティスト・プルーフ(A/P)の写真を交換している。展示されているのは鋤田の海外の有名写真家との華麗な交流を垣間見ることができる作品群となる。ボウイやエルトン・ジョン、フェイ・ダナウェイなどのハリウッドスターの撮影で有名なテリー・オニール作品、初期ビートルズの写真で知られるアストリッド・キルヒャー作品、またリンダ・マッカートニーから贈られた作品などが鑑賞できる。ヒプノシスのジョン・ブレイクがデザインした「Pink Floyd, Atom Heart Mother(原子心母), 1970」は、東京経堂の事務所玄関に展示してあり、長年にわたり来訪者を出迎えてくれた作品だ。個人的には、若くして亡くなったマーク・ボランが直接サインした「Get it on, London, 1972」の小振りサイズのヴィンテージ・プリントに目が釘付けになった。

ギャラリー OVERGROUNDは、徒歩だと博多駅から約20分程度、古い佇まいの「鏡屋」さんの先、セブンイレブンの裏側の外階段を登った２階にある。開催期間は9月21日(日)までになる。

期間：2025年9月12日（金）〜9月21日（日）
場所：ギャラリー OVERGROUND
福岡市博多区美野島1-17-5寿ビル2F  14:00〜20:00
812-0017 福岡市博多区美野島1-17-5 寿ビル2F
+81 92 984 0896
入場料：一般 500円、学生 無料（学生証の提示）

(ブリッツ・ギャラリー 写真展情報　/　鋤田正義 写真展
“SUKITA : Photographs from Early Fashion to Rock Icons”開催！)
ブリッツ・ギャラリーでは10月下旬から鋤田正義の初期ファッションを中心にした写真展を開催する予定です。60～80年代の未発表ファッション作品約22点とロック系・ポートレートの新作を展示します。ボウイを魅了したことで知られる鋤田のシュールな雰囲気のファッション写真は一見の価値ありです。近日中にプレスリリースを公式サイトに公開予定。会期はまだ先になりますが、ぜひお立ち寄りください！

ブリッツ・ギャラリーでは百瀬俊哉「Silent-scape」を開催中。
本シリーズでは、以前に解説したように地球環境問題が意識され、「水」をモチーフにした、ノルウェー、アルゼンティン、エジプト・カイロ、ツバル、ウズベキスタン、ベニスの作品が多くセレクションされている。一見すると外国の美しい都市や風景の写真に見えるが、その背景には私たち人間が宇宙/自然の一部である事実を思い起こさせるアーティストのメッセージが込められている。
作品の背景にあるアイデア/コンセプトが一番わかりやすいのは、7月にソニーイメージングギャラリーで展示する最新シリーズ「地の理 (Chinokotowari) セレニッシマ/ヴェネチア(7月11日～7月24日)」展用の案内状に使用されている水没したベニス市街地の写真だろう。実は地球温暖化の被害が顕在化した最前線の写真なのだが、百瀬はまばゆい色彩の一種ミステリアスな静謐な風景として作品を提示している。逆説的にそのような美しいシーンが地球環境の変化により危機に直面している事実を私たちに訴えているのだ。

「Silent-scape」シリーズの写真は、百瀬独自の一定の撮影ルーティンを経て、自分自身を客観視しながら撮られている。そこには、アマチュア写真家のような風光明媚な風景を撮ろうというエゴが一切ない。それゆえに、彼の風景写真は決して特別な世界ではなく、逆にそれが大きな魅力になっている。それらの写真は、撮影場所がどこであれ、普通に旅先で遭遇するさりげないシーンなのだ。そして、ありきたりの世界だからこそ、私たちは自分の存在を彼の写真世界の中に自然と重ね合わせことができる。見る側は写真家とのコミュニケーションを通して、百瀬の風景写真の魅力に引き込まれていく。

百瀬の撮影地は、日本の東京や博多などの近代的大都市からみれば、辺境と呼べる地域や途上国だろう。しかし特に古代遺跡や未踏のジャングルなどの記録を目指してはいない。ほとんどのイメージに人間の姿はないが、人の気配を感じる、生活の痕跡が残るシーンを多く撮っている。喧騒に満ちた現地マーケットやコミュニティーの中に入り込んで、直接に現地人と対峙してドキュメントするのではなく、あえて距離を置いているように感じる。たぶん彼は誰も知り合いがいない、言葉も通じない外国の地に身を置いて、写真撮影を通して自分自身と向き合っているのだろう。そして一見普通のイメージが私たちの心に沁みるのは、そこに人間の人生や存在をリアルにとらえた彼の生き方が反映されているからだろう。それは、日本独特のムラ意識や皆が一蓮托生のような認識ではなく、アーティストとして孤独と自由を求めて生きる姿勢が反映されている。人はどのように生きようが、所詮一人で生きて死んでいく存在だという、冷徹な人生を見つめる感覚が反映された写真作品は私たちの心を揺さぶるのだ。

本展では、本人制作によるピグメント・インクジェット・プリントも見どころだといえるだろう。使用しているのは、フレスコジグレー・ペーパー(Fresco Giclee paper)。漆喰のシート化技術を応用して開発された表現力豊かな高級ペーパーだ。その特徴は、デジタル画像データを元にしながら、アナログ的な自然な奥行き感のある画像が得られること。再現される画像は、一般インクジェット用紙のようなインク受像層を持たず、光透過性と独自のテクスチャーを持つ「未硬化の漆喰」に顔料インクが浸透することで生まれるとのこと。使用されている漆喰は自然素材「石灰石」で、山口県秋吉台の良質な石灰岩を原材料にしているとメーカーは公表している。興味深いのは、プリント後に漆喰の炭酸化反応によって顔料インクがCaCO₃＝炭酸カルシウムの薄膜で覆われ、有機物である顔料インクの酸化劣化を抑える構造に変化するという特徴だ。百瀬によると、プリント後に時間が経過すると、表面に被膜ができて写真が落ち着いてくるという。ただし制作時の取り扱いにはかなり気を遣うと語っていた。特に古い壁面や建築物などの素材、またクルマなどの質感がとても表情豊かに感じる。興味のある人はぜひ会場で実物を見て確かめてほしい。ちなみに、7月にソニーイメージングギャラリーで展示する百瀬の最新シリーズ「地の理 (Chinokotowari) セレニッシマ/ヴェネチア(7.11-7.24)」展では、表面にアクリルを使用しない展示方法が採用されるという。フレスコジグレー・ペーパーの質感そのものが直に確認できるだろう。

百瀬俊哉　写真展 「Silent Scape　静寂の風景」
2025年5月16日(金)～7月6日(日)
プレスリリースは公式サイトで公開中

なお百瀬の在廊予定は、6/28(土）時間未定、6/29（日）終日、を予定。ただし、事前の告知なしに予定を変更、中止する場合があります。あらかじめ、どうかご了解ください。目黒方面にお出かけの際はぜひご来廊ください。

ブリッツ・ギャラリーは、5月16日(金)から、写真家 百瀬俊哉(1968-)の「Silent-scape(静寂の風景)」展を開催する。当ギャラリーでは、2013年に開催した「Silent Cityscapes」以来の個展で、本展はその続編となる。百瀬は東京都出身、九州産業大学大学院芸術研究科修了。90年代より世界の都市風景を撮影し、写真展や写真集で作品を発表している。作品は、清里フォトアートミュージアム、東京都写真美術館、九州産業大学美術館で収蔵。現在、九州産業大学芸術学部教授を務めている。

百瀬は、7月にソニーイメージングギャラリーで最新シリーズ「地の理 (Chinokotowari) セレニッシマ/ヴェネチア」の個展を開催する。ブリッツの展示は、彼の過去約14年の作品を振り返ることで、ヴェネチアの最新作へと展開していった創作の経緯を紹介する意味合いを持つ。また本展は、前回の写真展後に亡くなった、百瀬の写真集を数多く手がけた窓社の名編集者の西山俊一氏を追悼する写真展でもある。

百瀬の風景写真は、ただ感覚的に優雅で美しいシーンを探して撮影しているのではない。彼には、いま宇宙、自然界、また都市のストリートのどこかで、誰も気付かない見たことがない、心が「はっ、ドキッ」とする、美しく整っている奇跡的な瞬間が出現しているはずだという認識がある。「Silent-scape」シリーズは、そのような日常に出現した宇宙の神秘的シーンを発見し、その瞬間を撮影して集める行為なのだ。撮影時に、彼は自分をニュートラルな心理状態にして、一般的な良い写真を求めるエゴから自由になろうとする。あえて外国に行くのは、自分が生まれ育った日本だと、無意識のうちに様々な歴史文化や社会的な価値観の影響を受けてしまうから。彼は意識的に先入観が全くない外国の環境に身を置いて創作しているのだ。

そして撮影地に着いたら、市内地図を買って、撮影用の4×5インチサイズの大判カメラを持って、全ての通りをひたすら歩き観察を続ける。それは1日8時間にもおよぶこともあるそうだ。外国での撮影なので、時差と疲労により途中で睡魔が襲うこともあるだろう。このように自らを極限に近い状態に追い込んでの撮影では、湧き上がってくる様々な雑念やエゴは完全に消え去っている。撮影セッションは座禅や瞑想も近いような行為で、彼は宇宙もしくは自然のリズムと一体化し、過去にも未来にも囚われずに真に今という時間を生きて、心が「はっ、ドキッ」とする奇跡的な瞬間の訪れを待つのだ。

いま写真は広い意味で現代アートのひとつの表現法になっている。写真家は作品制作した理由をオーディエンスに説明する責任を負う。しかし自然や都市を撮影した写真はアート作品としてのテーマ性を提示するのが非常に難しいカテゴリーだと言われている。今回の百瀬の「Silent-scape」シリーズでは、地球環境問題が意識されている。21世紀のいま、化石燃料を消費して経済成長を続けていく近代の経済モデルは、それが原因で急激な気候変動や環境破壊を世界的に引き起こし、誰もが持続不可能だと感じている。彼は頭で思考するのではなく、自分の内面に向かい心で世界と対峙してこの問題に取り組んでいる。彼は心を落ち着かせて日常にある宇宙の神秘を世界中で探し求める。そして、まばゆい色彩の一種ミステリアスな静謐な風景を通して、逆説的にそのような美しいシーンが地球環境の変化により失われつつある事実を私たちに訴えている。いま地球温暖化によりツバルやベニスの海面水位が上昇しているとマスコミで盛んに報道されている。百瀬のこの地で撮影された風景写真を見て、それらの美しい地が水没の危機に瀕しているという事実に多くの人は気づくのではないだろうか。

また私たちは本作をきっかけにして、広大な宇宙に思いをはせることができるだろう。普段は忘れている宇宙の中の小さな自分の存在に気付かされ、忙しい日常生活を送るなかで、思い込みにとらわれている自分を客観視できるのだ。「Silent-scape」シリーズは、旅立ちから撮影までの一連の創作行為自体が作品の一部になっている。一見すると外国の美しい都市や風景の写真に見えるが、その背景には私たち人間が宇宙/自然の一部であることをもっと意識して行動しようという深淵な現代社会へのメッセージが込められているのだ。

本展では、2011～2024年までにノルウェー、アルゼンティン、エジプト・カイロ、ツバル、ウズベキスタン、イタリア・ベニスで撮影された作品が初公開される。全作品が本人制作によるピグメント・インクジェット・プリントで、漆喰のシート化技術を応用して開発された表現力豊かなフレスコジグレー・ペーパー(Fresco Giclee paper)が使用されている。

ぜひ世界中で撮影された、百瀬俊哉の心洗われる、ミステリアスで静謐な写真世界を堪能して欲しい。

百瀬俊哉　写真展「Silent-scape　静寂の風景」
2025年5月16日(金)～7月6日(日)

公式サイトでは展示作品画像などを公開中