カテゴリー: アーティストガイド

アート・フォト・サイトで行っている講座では、よくアート写真の世界で成功する方法を教えてくれと質問される。私は、成功自体を求めないことだ、などと禅問答のようなアドバイスとを返すことが多い。

成功とは何か。たぶん多くの人は、写真作品が世の中で評価され知名度が上がり、個展開催、写真集出版、そしてオリジナルプリントが高額で売れたりするようなイメージを持っているのだろう。しかし、現実的にはそのような成功イメージが短い期間で実現する可能性は極めて低いといえるだろう。最初は自分の能力と可能性を信じて、作品制作に時間と費用をかける。しかし、評価がないどころか無視されるのが当たり前、まして販売に結び付くことなどはない。つまり、成功イメージを持っていると失望してしまい作家活動を辞めてしまう可能性が極めて高い。だから逆説的に短期的成功を求めないことが継続の基本になる。継続する限り成功する可能性がある、というのが上記の禅問答の意味なのだ。

世の中には、成功者のキャリアを分析して、同じように心構えを持って行動すれば成功するというビジネス書が溢れている。上記のような質問をしてくる人は、アート写真における同様の成功哲学を知りたいという意図なのだろう。若い時は、ある程度の能力があり、積極的に努力して頑張ればビジネスの世界で成功すると信じているもの。しかし、年齢を重ねていくと、実は社会での成功の大部分は運により決まるという認識が、長く苦い実体験を通して培われるようになる。先日に亡くなった野村克也氏の座右の銘に、江戸時代の大名松浦清の発言として知られる、「勝ちに不思議の勝ちあり、負けに不思議の負けなし」がある。人生での成功は運によるとしても、その確率を高めるには、できる限り失敗を避ける準備を怠らないことにあるような意味だと解釈している。それはアート写真の作家活動では何に当てはまるのか？作家活動の成功確率を高めるために、絶対に踏んではいけない地雷、つまり避けなければならないことを考えてみよう。

アートの世界で一流と言われる写真家/アーティストが、私は自分の直感を信じて作品制作を心がけている、というような発言をしているのを聞いたことがあるだろう。しかし、私はあえて若手新人は直感に頼りすぎないことを心がけてほしいとアドバイスしたい。
ややわかり難いかもしれないが、既に評価されている経験豊富な一流アーティストと、経験が浅い人との「直感」の本質は全く違うという意味だ。一流写真家は、いままでに様々な作品制作を行い、膨大な過去の作品に対峙して思考している。また人生経験も豊富で、結果として幅広いスキルを持っている。彼らは、それらを通して世界を見ているともいえる。過去の先人たちの偉大な仕事の流れと、深いところで繋がっているのだ。入ってくる無数の情報は、積み重ねられたフィルターを通り、無意識の深いところで重なり合い、突然変異や新たな組み合わせがおき、結果として直感が生まれてくる。
若手新人は、当然のこととしてスキルがまったくない。かれらに自然浮かんでくる直感はどこから生まれかというと多くの場合、単に思い出しやすい、想像しやすい情報から本能的にもたらせるのだ。この二つの直感の区別は極めて難しい。また直感を信じている人は何かを学ぶ必要性を感じない。趣味のアマチュア写真家なら全く問題がない。しかしアーティストを目指す若手新人は、一流と言われるまで、様々なことを学び経験してスキルを獲得していかなければならない。

直感に頼りすぎると、次第に思い込みに囚われて柔軟な姿勢がなくなる点も指摘しておこう。非常に多くの若手新人が、自分がいったんまとめたポートフォリオに囚われてしまうのだ。そして、ひたすらそれを認めてくれる人を探しにポートフォリオ・レビューを回ったりする。またデジタル印刷普及により写真集制作の敷居が非常に低くなった。写真集というモノが出来上がると、自作への思いはさらに強化されてしまうのだ。
作品は長い時間をかけて、世の中に触れることで常にアップデートを続けなければならない。自分のメッセージが伝わらないと判断したら、作品制作を断念して、新たなテーマを世の中で再び探す勇気も必要なのだ。多くの人を感動させるようなメッセージを持った作品は簡単には制作できない。一般的な人間は、自然と湧いてきた直感とそこから持たされる思い込みに囚われやすいという心理的特徴を持つ。やや抽象的だが、突き詰めるとアーティストは、そのような一般人に新たな視点を作品で提示して、彼らが自らを客観視するきっかけを提供する人なのだ。だから創作する人は、それを意識したうえで常に自らを客観視する姿勢を持たなければならない。自分が違和感を持つことを無視せずに、あえて対峙する勇気を持つのだ。直感を信じ思い込みに囚われてしまうと、若い時点で進歩が完全に停滞してしまう。
そのような、根拠なき自信に満ちあふれた若手新人でも、中には何らかのきっかけで思い込みに気付く人がいる。誰かが、嫌われることを覚悟して、彼らがフレームの中で凝り固まった見方をしている事実を指摘しなければならないと考える。私がいつも繰り返し言っているように、「アーティストとは、社会と能動的に接する一つの生き方」だと気付いてほしい。

1. “なぜこのフォトブックが作られなければならないか”という質問に対する明確な回答を持とう
   フォトブック制作上で一番重要なのは、作品コンセプトを本の形式で展開していくことだとしている。つまり、それぞれのフォトブックは作家が発見した社会における問題点をまず提示して、それに対しての自分なりの解決法を提示している。私は問題提起のみでも十分にフォトブックとして成立すると考えている。
   写真のオリジナル・プリントがアート作品になる場合があるのと同じく、写真集の中のフォトブックは、ここの部分が担保されてアート表現になり得るのだ。フォトブックを作る理由が明確に語られない場合、それは写真を集めて本にしたフォト・イラストレイテッド・ブックとなる。同じ写真集のフォーマットなのに、写真家のアート表現と、写真がデザイン的に素材として編集・収録されたものがあるのだ。初心者には、この2種類の写真集の区別は非常に難しいだろう。特に最初に写真ありきで、”フォトブックを作る理由”が後付けされて制作されたケースは厄介だ。それらは、体裁上はフォトブックの制作理由が語られているように見える。しかし多くの場合、写真と制作理由との関わりが不自然、不明瞭で、違和感が感じられるのだ。
   これらの例は、商業写真家やアマチュア写真家の自費出版本に非常に多く見られる。アート写真の専門家が見たらすぐにわかる。しかし、それらが本として悪いという意味ではないので誤解しないでほしい。アート表現としてのフォトブックではないが、写真を掲載したフォト・イラストレイテッド・ブックとしては完成度が高い場合も散見される。両者は外見にはあまり違いがないが、異なる価値観で作られている別物なのだ。
   またパート1でも述べたが、私は最初に写真ありきで、写真家本人は何も語っていないが第3者により制作理由が語られる方法（見立て）もあると思う。ここでは詳しくのべないが、それは欧米とは違うアプローチで作られる、日本独自のフォトブックになり得ると考えている。実際に、いま高く評価されている60～70年代の日本のフォトブックは、海外の専門家に見立てられたものが多い。個人的には、現在の自費出版本の中にも見立てられる可能性を持つものが存在していると認識している。しかし、いまや世界中で出版される写真関連本が膨大な数にのぼる。その中には良質なフォトブックや見立てられる可能性のある本がある一方で、レベルの低い本も数多く存在している。専門家の目に留まらないで、本の洪水の中に埋没して忘れ去られるものもかなりあると思われる。
2. リサーチの実践
   写真家の心が動いて、読者に伝えたいと考えたメッセージを写真で伝えるには様々な方法がある。それを実践したのが過去に出版されたフォトブックとなる。成功作、失敗作があるが、それらを分析することは自身のフォトブック作りに非常に役に立つ。海外の優れた写真家は、フォトブック・コレクターの場合が多い。それは収集趣味というよりも、自作のためのネタ集めの意味合いが強いと思われる。
3. ショート・カットを避けよう
   優れたフォトブック作りに近道はないということ。フォトブック制作には多様な分野の膨大な仕事量がある。一人で取り組むとどうしても手抜きが起きる。専門家を雇い入れることがその解決になる。
4. フォトブックは専門家のコラボレーションで作られる
   本書は写真家の独断主義をいさめている。”My way or the highway”(私のやり方に従うか、それとも出て行くか)が、写真家の出版社に対しての最悪の態度だとしている。大手の場合でも、アドバイスを聞かないような自己主張が強い写真家には自己での出版を進めるとのことだ。出版社は経験豊富でポリシーを持っている、写真家が思い通りにやりたくて出版社の主張が聞かない場合はプロジェクトがすすまない。また自費出版では、写真家がすべての制作過程を同時にこなそうとする場合がある。本書では、それこそは諸悪の根源としている。
   以前のブログ「独りよがりが失敗を生む　すぐれたフォトブックの作り方」で、2015年秋の”The Photo Book Review”第9号を引用した。そこには、フォトブック制作プロジェクト時における写真家の心がけについて、自分以外の専門知識を持つ人を利用すること、つまりコラボが良いプロジェクトにするためには必要だ、と提案している。
   本書でも上記の内容を引用していた。つまり優れた写真家でも、フォトブック制作に求められる様々な分野の仕事の素養を持っているわけではない。写真家は、デザイナー、エディター、ライターなどからなるチームのコーディネーターになるべきということ。写真家の主張や思いを実践するためのチームではないことが注意点だ。
   ビジネスマンの人は、会社での仕事の流れを思い起こしてほしい。役職についた人は、各分野の専門家の能力を生かして仕事を遂行していくだろう。それは全体のコーディネーターであり、決して独裁者ではない。フォトブックの制作過程も全く同じなのだ。会社は利益を生むため、フォトブックは作家のメッセージを伝えるためにチームワークで仕事を進めていくのだ。
   フォトブック作りでは、上記のルール#1が明確で、各担当者に浸透していないと、チームワークが上手く働かない。関係者のエゴのぶつかりあいに陥りがちになると指摘している。
5. どのフォトブックも写真家の出費が必要だ
   まずフォトブックを出版するには写真家のコスト負担が必要だということ。ファンがいる有名写真家で、コンテンツが素晴らしければ出版社が全てのコストを負担する場合もある。しかし、多くは写真家がフォトブックを買い取るなどでコストの一部を負担するのが一般的とのこと。
   本書では大手のDewi Lewisの例を紹介している。それによると、最近は50～60%程度のコストを写真家に負担してもらっているとのことだ。アーティストとしての評価が定まっていない、広告写真家やファッション写真家が有名出版社から豪華なフォトブックを刊行することがある。どうもそれらは、写真家が仕事での儲けをフォトブック製作に投資している事例のようだ。アーティストのブランド構築のために、フォトブックが使われているとも言えるだろう。
   歴史的にも17世紀からアートブックにはスポンサーやパトロンがついていた。出版の際は、写真家はどのような方法でもコスト負担が求められ、ほとんどの場合も儲けを得ることができない、と厳しく断言している。
6. すべてはフォトブックのために
   これはルール#4のフォトブックは共同作業と関連する。
   編集、シークエンス、写真セレクション、デザイン、素材、サイズ、装丁など、すべての判断は、良いフォトブック制作と関わってくる。
7. どの決断にも正しい理由がある
   ルール#6で上げた複数の項目の決断には明確な理由があるべきだ。それはそれぞれの担当者の好き嫌いのような感覚重視で行うものではない。繰り返し出てくるが、ここでも最終的にはフォトブックのコンセプトと予算とに関連しなければならない。
8. 妥協することを恐れるな
   人生と同じで、フォトブック制作にも妥協はつきものだ。妥協は様々な理由から求められるだろう。まず共同作業には妥協はつきものだ。コンセプト重視の制作手法も写真家の個人的好みと相反するかもしれない。一番大きな実際的な妥協は、予算からくるだろう。
9. 完璧を目指し、できる限りベストを作ろう
   フォトブック制作は、オール・オア・ナッシングの選択ではない。最終的に必要なら妥協しても本を世に送りだすべきだ。その制約の認識と妥協の判断は、一人で行うよりもチームで行った方が的確にできる。
10. 完璧なフォトブックなどは存在しない
    一つのフォトブックのプロジェクトには様々な方法が存在する。そこには、パズルや模型キットのように絶対的な正解は存在しない。パーフェクトなフォトブックではなく、できる限りベストなものを作ればよい。またその創作過程は従事した人には重要な経験となる。
11. フォトブックは写真家に多様な効用をもたらす
    重要なのは出版できた事実だとしている。また本は写真家のプロモーション用の手段でもある。それがきっかけで、世間からの何らかの承認を得る可能性がでてくる点を考慮すべき。
12. あなたの読者を想定して作ろう
    これは、自分でどれだけ数多くのフォトブックを購入したかの経験がものをいう。それは、写真家ランク、内容、装丁などによるフォトブック市場における価値観が持てるようになること。それに照らし合わせて、自分の本の造りや販売価格の適正な判断が下せるようになる。フォトブックをあまり買った経験がないのに、作りたいという人が割と多いものだ。
13. 編集とシークエンスは謎だらけの黒魔術ではない
    写真作品のコンセプトをより的確に伝えるために、編集とシークエンスが行われる。これが前提だ。写真の見方、複数の写真の関係性の理解なしでは的確にその作業ができない。ラズロ・モホリ＝ナジは、”1枚の写真は独立した存在意義を失い、それは全体の構造の一部となる”と、フォトブックと写真の理想の関係を語っていると本書は引用している。その実践には、読者を納得させるシークエンスのロジックの存在が必要だという。
    またシークエンスは最初から最後までに至る”動き”とも理解できる。これは経験を積み、優れた手本を研究することで学べる。教材として提案しているのはウォーカー・エバンスの「American Photographs」と、ロバート・フランクの「The Americans」。納得である。
14. プロセスに時間をかけろ
    これは文字通りの意味で、時間制限のある中でも必要なら制作期間を延長する余裕が必要だということ。問題があるのに、その回答が見つからないまま制作を続けても良い本はできない。
15. フォトブックを現物として作業しろ
    本は物理的なものだ。ダミーを制作して実物のサイズ、質感、装丁などをチームで議論して確認したほうが賢明だ。
16. 制作の要素は全てが重要だ
    ここはルール#4の”コラボ”とルール#8の”妥協”と関わってくる。フォトブック制作過程がすべてうまくいくのが理想だ。しかし、多くの場合は問題に直面する。問題は制作の最終段階よりも、最初の段階で判明する方が対処が容易だ。早い段階から関係者とのコラボを行うことで、問題点に早く気付いて、適切な対応（妥協）が可能になる。
17. 制作費に思い悩むな
    フォトブックと予算に対する基本的な認識を持たないといけない。それは、制作には多大な費用を写真家が負担しなければならない。出版社が無料で制作してくれるとも、儲けられるとも期待してはいけない、というものだ。以下のようなフォトブック制作者のジョークが紹介されている。”豊富な予算を持って開始すれば、フォトブック制作後に少しのお金が儲かるかもしれない”。つまりフォトブックを制作したいと考える写真家は、事前にある程度の予算を確保しておかなければならないというアドバイスだ。
    そして制作に取り組むにあたり、以下の理解が必要であるとしている。それは、お金儲けを考えるなら、フォトブック以外にもっと有効的な手段がある。フォトブック制作は、無駄になるかもしれない金融的な投資で、金銭的な負担によって持たされるアーティストのステータスであると考えよう。
    本書は、フォトブック制作への取り組み方がかなり具体的に、それも生々しく書かれている。所々に、制作者への厳しいアドバイスもある。本書をまとめると、すべてのフォトブック制作を考えている人は、まずルール#1のフォトブックを作る理由を厳しく自分に問い詰めなければならない、ということだろう。

写真専門誌アパチャーを定期購読していると”The Photo Book
Review”というフォトブック関連の情報を記載した季刊新聞がおまけに付いてくる。

同紙を読んで直感的に感じたのは、紹介されている考え方はビジネスでイノベーションを引き起こすためのアプローチに近いということ。つまり、アートで新しいテーマを見つけ出し作品を創作することは、ビジネスでイノベーションを発見するのとかなり近いものではないか直感したのだ。例えば米スタンフォード大学のジェームス・マーチ教授が提唱した「知の探索」と「知の深化」では、出来る限り意識的に自分の知らない分野の知に触れることで、新しいものが生まれる可能性が高まると指摘している。
またマサチューセッツ工科大学の上級講師であるオットー・シャーマー博士が提唱している「Ｕ理論」では、人間は自分のいままでの人生で培ったフレームワークを通して世の中を把握しがちで、それに気付くことがイノベーションを起こすために必要だと指摘している。
これらは”The Photo Book Review”の、個人が限界的な視点しか持たないから、コラボが必要であるという提案の理由を説明しているといえるだろう。

年末年始の休みには、本棚を整理して昔に買った本を再読することが多い。今年は20年以上前に買ったビジネス書を何冊か読んでみた。
その中で気になったのが、日本の伝統的芸術や武道の修行におけるプロセスを示す「守破離（しゅはり）」という言葉だった。この言葉は千利休が詠んだ歌に原型があるとのことで、ビジネス書ではビジネスマンのキャリア形成にそれが応用できるようなことが書かれていた。
私はこれはアーティストのキャリア形成にも当てはまると直感した。アート写真のノウハウを指導するワークショップの「ファイン・アート・フォトグラファー講座」では、よくアーティストのキャリアをどのように積み上げていけばよいか、また認められるのに何年くらいかかるかという質問を受ける。その時に行うアドバイスは、まさに「守破離」と重なるのだ。

「守破離」の「守」とは修業時代の心がけで、師匠の発言や行動を100%守ること。先人たちが作り上げた歴史を学んで吸収するのもこの時期に行うべきことだろう。重要なのは、この段階ではとりあえず自分を捨てて全てを受け入れること。自分の都合のよい情報だけを選んでいては本人の創作の可能性は広がらない。「破」は次のステップで、「守」で得た様々な知識や情報を自分なりの考えで組み換えたり突然変異を起こさせたりすることだ、ステレオタイプの発想を破るという意味だろう。「離」は、それまでの型から自由になり自分独自のスタイルが確立されることだ。

東京フォト2013が9月末に開催された。作家を目指す人や、写真撮影を趣味とする多くの人が訪れたと思う。
今回の出展者は約半数が海外のギャラリーで、展示作品の多くは既に資産価値が認知されたいわゆるセカンダリー市場の取り扱い作品だった。これらの作品の特徴は、アーティストの作家性、作品メッセージ、テーマ性がすでに市場で認知されているということだ。コレクターはそれらの前提を分かった上で、イメージ、サイズ、エディション、コンディション、販売価格を総合的に判断して買うかどうかを決めることになる。国際的なフォトフェアは若手や新人が自らのメッセージを伝える場ではないのだ。
新人を一部のスペースに展示するギャラリーもあった。それらの作家は、その存在が市場である程度認められている人たちだ。いわゆる作家のブランド化の一環としてギャラリーが展示するのだ。
その判断基準はシンプルだ。過去のアート関連の展示で実際に作品がコレクターに売れたかどうか、また本人が営業努力を行っているかどうかだ。新人のメッセージはまだ市場で十分に認知されていない。彼らはフォトフェアの傍らで必死になって自分なりの情報発信を行っている。

今回、わたしどもは「New Japanese Abstruct Photography」というテーマで一つの壁面を使用して若手から中堅写真家を展示した。「新しい日本の抽象写真」というような意味だ。本当はもっと大きな規模でのグループ展を行うつもりだった。しかし、作品の選択を行う過程で挫折してしまった。どういうことかというと、抽象的な写真を作品として安易に提示する人があまりにも多いのだ。特にデジタルカメラでストレートに撮影する人にその傾向が強く見られる。アート作品でアイデア・コンセプトが必要なことは写真を撮影する人なら知識として知っている。しかし具体的に何を行うかは感覚的にしか理解していない。これは本来自分自身が能動的に社会と接することで見つけ出すものだ。しかし、最初に写真撮影ありきの人の場合、後付けでそれらしきものを付けたすことになる。単に作品要件を満たすために「抽象」を意識して制作した、とするのだ。
写真史で抽象写真を撮影していた写真家を意識したとイメージの表層の類似性だけで自作を語る人も多い。このタイプのなかにも自分の人生と真剣に向き合って、精神の緊張状態の局限での創作活動の中から抽象作品が生まれているケースも稀にある。そうなると作品は社会との関係性を持つ可能性が出てくる。
しかし、そこまで自分の心をさらけ出して表現する勇気を持つ人は少数だ。多くは自分のエゴ拡大が目的で、そんなに真剣に作品制作に取り組んではいないのだ。
実際には、真の作家性をイメージの表層だけで判断するのは難しく、ギャラリーも最初のうちは惑わされることもある。しかしある程度の期間付き合うと写真家の真のスタンスが次第にわかってくる。抽象的な写真が社会との葛藤から生まれたのではなく、方法論として撮影されている場合は作品テーマのあらたな展開がない。撮影する対象が変わるだけのワンパターンに陥るのだ。
アート写真での作家性の評価は本当に難しい。写真家の思い込みと、優れたメッセージとは紙一重の違いのこともあるのだ。見る側は、かなりの期間の現場での経験が必要だと思う。

以前に風景写真を撮影する人が、やたらに、「テーマは日本の伝統的な優美の美意識です」、「八百万の神を撮影しました」としたり、杉本博司の影響か、「禅を意識しました」とする場合が多いことを紹介した。「抽象」も含めて、これらは安易に自分の作品にレッテルを貼って安心するような行為だろう。結局、簡単に手に入れた作品テーマは決して見る側を真に感動させることはできないのだ。
それでも、単に写真をデザイン面や色彩面だけでアピールしたり、単に大きく現代アート風な設えにする人よりは将来性はあると思う。少なくとも、何らかのレッテルがあり、ビジュアルとクオリティーが優れていれば、インテリア用の写真作品としては通用するだろう。
また新人ならば確信犯でここからスタートしても良いと思う。実際、ワークショップではレッテルを写真家に提示して反応を見てみることもある。なかには実際に展示されることで、自分の作品に何が足りないかを気付く人もいるのだ。
もしアーティストを目指したいのであれば、作品の要件のみを整えて満足するのではなく、社会の中で作品がどのような意味を持つかを自分自身で考えて欲しい。その先にライフワークになる真の作品テーマの卵が見つかるかもしれない。たとえ作品制作アプローチが不器用でも、その方が見る側の心を刺激するのだ。
ギャラリーもコレクターも、そのような写真で自己表現する真のアーティストが生まれることを待ち望んでいる。

私はアート写真の仕事を始める前は金融機関のサラリーマンだった。
まだ入社2～3年目くらいのときに上司から受けた叱責は今でもよく覚えている。それは確か企画書のような書類を大量に制作して取引先に送る仕事だったと思うが、ハンコをきちんと押していなかったことを理由に全ての書類をもう一度作り直させられた。私は数が多かったので単に機械的に適当に押していっただけだった。確かに一部は曲がり、かすれたりしていた。捺印に気持ちが入っていないようなことをいわれた気がするが、その時は何で怒られたのか意味が明確にはわからなかった。今思い起こすと、その書類を受け取った人の気持ちを考えてハンコを押せという指導だったことがわかる。

いまは全く違うアート分野にいるが、仕事が変わっても状況は金融機関と全く同じだと感じている。作品ポートフォリオ制作から、アーティスト・ステーツメント、ビジネス連絡、打ち合わせ、広報活動、事務手続き、などのなかに様々な些細だが重要なことが存在する。
さて上記で書類に押すハンコを紹介したので、アートでの書類関係の例をあげておこう。
例えば写真展関連の開催報道資料や案内情報だ。それらは美術館系のものとそれ以外の2種類に大きく分類できると思う。
だいたい大きな組織、歴史を持つギャラリー、団体が運営している写真展の資料は丁寧に作られている。また、企業系ギャラリーは広告宣伝の一環なので、例外なくきちんとしている。一方で写真家の個人主催や新進ギャラリーの写真展関連資料のなかには、明らかに手を抜いていると感じられるものがある。それらは文章執筆、書類制作、DMなどのデザイン、郵送、ウェブ公開の様々な過程で発生する。主催者の写真家、ギャラリーの気持ちの入れ方が小さな作業に怖いくらい反映されてしまうのだ。

内容が良ければそれらは些細のことだという意見もあると思う。しかし、ブランドが確立した有名作家以外の場合、たとえ中堅作家でも中身の判断がつき難い場合が圧倒的に多いだろう。その時の判断基準になるのが展示関係の各種資料なのだ。また東京などではアート関係の膨大な情報が存在する。新聞などの大手マスコミにはそれらの膨大な報道資料が集まるのだ。その中での情報選択は人間の作業になる。きちんと作られていない感じの報道資料は内容をみる前の段階でアマチュアの写真だと判断されてしまう可能性が高いのではないか。いくら良い作品でも見てもらえないかもしれない。
よく奇をてらったデザインや写真使用で目立とうという考える人がいる。私は地味でも正統法で仕事を行うべきだと思う。実は小さいことを的確に行っていない方が逆の意味で目立つのだ。

こうやって書き続けながら、本当につまらないことを言っているなと感じる。しかし、世の中は案外そんなつまらないことで動いている。競争相手の多いビジネス世界では相手の心証を悪くする行為は絶対に避けなければならない。ハンコの押し方だけでで会社の評価が変わることもあるのだ。そしてアートも特殊性はあるがビジネスに変わりない。また、作家を評価、コレクションで応援してくれるのは組織の側にいる人が多いことも忘れてはいけないだろう。小さな所作をきちんとこなすのが重要なのは、それに全てが反映されるという意味だと理解してほしい。私の経験則だが、小さなことにもこだわりを持っているアート写真展の内容は大体レベルが高い。

ショーペンハウアーの「『幸福について」（新潮文庫）という古典本が今年の春にミニブレイクした。本の帯によると、きっかけはテレビ東京の経済番組「ワールドビジネスサテライト」の本を紹介するコーナーで作家の本谷有希子さんが取り上げたことらしい。私は、「大反響いま売れています」のキャッチコピーにひかれてアマゾンで購入してみた。
アルトゥルト・ショーペンハウアーは19世紀のドイツの哲学者。彼の考えは欧州のペシミズムの源流になったともいわれる。文章はそんなに難解ではないが、内容は時間をかけて集中しないと理解できない。もっと分かりやすい本はないかと探した結果、彼の発言のエッセンスをシンプルにまとめた「ショーペンハウアー大切な教え」（イースト・プレス）を見つけた。現在、2冊を併せて読み進めている。彼の人生論にはアート関係の人にも参考になるアドバイスが書かれている。これから機会を見つけて紹介していきたいと思う。

“他人に対するとるべき態度”として以下のような項目がある。
「礼とは道徳的にも知性的にも貧弱なお互いの性質を互いに見て見ぬふりをしてやかましくとりたてないようにしょうとする暗黙の協定である。礼とは利口さ、非礼は愚かさである。敬意を表するに値しない人間にも、全ての人間に最大限の敬意いを表することを要求し、関心がないのに、関心を装うことを要求するという意味で礼は実行の困難な課題である。侮辱とは相手に敬意をいだいていないことの表明だ。世の常の礼は仮面に過ぎず、その下では舌を出していることを念頭におけ。礼をわきまえない人間は裸になったようなようなもので見られた様ではない。」

ショーペンハウアーによると、関心がないのに、関心を装うのが礼というわけだ。なかなか本質をついたやや皮肉が強い人生哲学だと思う。これを一番実践しているのはビジネスマンだろう。会社を代表して行動するのできわめて礼をわきまえている風に見える。彼らは個人対個人でつきあうのではなく、メリットがあるかないかで判断して会社の肩書で付き合いをしている。ビジネスを円滑に行い、自分自身や会社を不利な立場にしないように、相手の立場や意見を尊重して、不愉快な思いをさせないようなこころ配りを行う。
学生が会社に入るとその点を教育される。一流企業、大企業ほどそれは徹底している。まず彼らは若くても笑顔での挨拶ができる。それは自然にできるのではなく、意識的になされるのだ。就職活動の競争を勝ち抜いた学習能力の高い人がさらに高い社会性を身につけるわけだ。

個性が尊重されるアート関係の仕事はその対極のように思われている。アート志望の若者のなかには学生と変わらない態度の人もいる。相手に挨拶しない、関心を表さないのは敬意を持ってないことの表れだ。自分の考えだけを話したり、相手の意見をきかないどころか平気で反駁、否定する人もする。自分のことだけを一方的に話されては聞く側はうんざりしてくる。不愉快な気持ちになる人とは誰しも距離を置くようになる。会社ではそんな若者を上司が叱り、鍛え直すわけだ。しかし、組織に属していないと誰も社会性のなさを指摘してくれない。
ショーペンハウアーは、「交際している人が不快な態度をとったり、腹を立てる態度をとった場合、よほど大事な人間でないかぎり永久に付き合わないことが必要だ。」と書いている。ビジネスの世界では、単純にそんな個人とは距離を置くようになるだけだろう。

アーティスト志向の人は自分の気持ちに素直すぎるのだ。これは単純に世の中の仕組みを教えてくれる人が周りにいないからだと思う。私はアート関係の人は一般ビジネスマン以上に礼をわきまえた方がよいと考えている。
ワークショップでもよくいうことなのだが、ビジネスマンはたとえ性格が悪くても会社組織が身分を守ってくれる。しかし、礼をわきまえないアーティストは誰も守ってくれない。勢いがある時はメリットを感じて付き合う人もいるだろう。しかし、勢いがなくなったら落ちるところまで簡単に行ってしまう。

ニューヨークのアート・ディーラーのアレックス・ノバック氏の上げているアーティストに求められる条件は非常に興味深い。彼は”バランスのとれた性格”を”才能”よりも高い優先順位に上げている。才能があればどんな態度でも許されるとの考えは欧米のアート界では通用しないようだ。また、才能があることは当たり前で、評価はそれ以外の要素で決まるという意味でもあると思う。

実際に私の会った成功しているアーティストはみんな、相手に対する気遣いができ、話していて気持ちよくなるような性格の人ばかりだ。成功者から礼を尽くされたら誰でもその人を更に好きになり応援する。コレクターやディーラーは作品の購入を考えるだろうし、マスコミ関係者ならば良好な作品評を書くことになるだろう。売れる人の人気が更に上昇していく背景には本人の態度が影響しているのだ。

しかし、ショーペンハウアーが指摘しているように、売れている人の性格が元々よいというわけではない。彼らはあくまでも意識的に自分に有利になるように行動しているのだ。なんで彼らが他人に礼をつくせるかというと、彼らが高い目的意識を持っているからだと思う。
アーティストは、自己表現を通じて自己実現ができる選ばれた人なのだ。彼らにとって、自分の自意識の充実などよりも、そのキャリアを追求できることのほうが人生でより重要なのだ。だからそのために必要なら、またメリットがあると考えれば、確信犯で自分の嫌いな人に対しても関心があるように装うことが出来るだ。それが出来ない人は、結局アーティストの幻想だけを追っているのではないだろうか。彼らの多くは、高い自己評価と社会評価とのギャップが広がることへの不満が態度に表れるようになる。結果的にさらに人心が離れていくという悪循環に陥ってしまうのだ。

アーティストは自らの考えを追求して表現していくのが仕事だ。しかし、情報化社会が進行したことで考える力が急速に失われているともいわれている。 私は優れたアーティストが日本から生まれない原因はここにあるのではないかと疑っている。
今回取り上げたショーペンハウアーのメッセージは一回読んですぐに理解できる内容ではない。上記の本谷有希子さんは、「何度も繰り返して読んでいる」という。何度も読むとは、そのたびに自分の頭で作家のメッセージの意味を考えることだと思う。原点回帰ではないが、あんがい古典を読むことがアーティストの考える力を鍛えてくれるのではないだろうか。